Com a maré vazia é muito fácil descer da aldeia de Cacela Velha, cruzar o pequeno canal com água pelo joelho (se a maré estiver mais cheia o nível pode subir até â cintura ou mesmo ao pescoço — mas isso não é impeditivo para os mais aventureiros) e chegar ao mar.
Este ano o Verão de São Martinho veio com tanta força, e a água do mar estava tão apetecível no sotavento algarvio, que, durante quatro dias seguidos (10, 11, 12, 13 de novembro) fomos à praia, banhámo-nos, ao sol e no mar, e fizemos longas caminhadas pelos areais de Manta Rota e Cacela Velha. Quatro dias consecutivos com tempo super agradável não é assim tão comum em novembro, por isso quisemos que este magnífico período ficasse registado, para mais tarde o recordarmos.
A praia de Cacela Velha é pouco frequentada. Tem de se fazer uns 500 metros a pé, a partir da bela aldeia de Cacela Velha (onde se tem vistas fantásticas sobre a ria, o mar e toda a zona costeira, incluindo o litoral fronteiriço de Espanha), descer uma longa escadaria e atravessar a Ria Formosa — o que nem sempre é fácil porque a maré pode não estar vazia — para se alcançar a praia. Também se pode aceder à praia de Cacela Velha via Manta Rota, localidade onde já não é preciso cruzar a Ria Formosa para chegar ao mar, caminhando ao longo da praia uns 20 minutos para oeste e atravessando um pequeno canal que une o mar e a ria (canal constantemente em mudança face a ventos e marés, mas que se ultrapassa facilmente sobretudo na baixa mar), e alcançando assim a praia de Cacela Velha. No verão há alguns barqueiros que levam as pessoas à praia, nomeadamente no sítio da Fábrica. Uma vez chegados, estamos no paraíso.
A pequena ondulação acontece porque o vento está de leste/sudeste, o que no sotavento significa que vem do lado do mar. Ao fundo a aldeia de Cacela Velha.
Além de pouco frequentada, a praia é enorme, a areia dourada e a água límpida. Temperaturas em torno da que consideramos ideal (23,5º) são bastante comuns no verão, estação em que a água do mar chega a atingir os 26º. As mais altas temperaturas ocorrem quando o vento está do quadrante leste, o que proporciona uma tipologia de tempo que aqui se chama levante. É quando o mar tipicamente calmo do sotavento se torna agitado com ondulação mais ou menos significativa. A temperatura do mar fica então mais alta e assim se mantém por alguns dias, mesmo depois de o levante passar. A temperatura média do mar no sotavento, ao longo do ano, ronda os 18º/19º, o que permite banhos de mar praticamente em qualquer mês do calendário. Nestes quatro dias de São Martinho a temperatura da água do mar rondou os 20º.
É muito difícil dizer qual a melhor praia do sotavento algarvio. Cabanas, Ilha de Tavira, Terra Estreita, Barril, Fuzeta, as ilhas de Armona, Farol e Faro são todas elas (sobretudo, para nós, a Terra Estreita) praias magníficas. Mas se tivéssemos de escolher uma, essa seria Cacela Velha. Sem quaisquer apoios de praia, principalmente sem gente na maior parte do ano, na praia de Cacela Velha podemos relaxar, sentir a natureza em estado puro e, se nos apetecer, tirar a roupa toda e mergulhar num mundo azul.
A capela de Cacela Velha debruçada sobre a Ria Formosa e o Oceano Atlântico.
“A câmara fotográfica não pode competir com o pincel e a paleta — não pode ser usada no céu ou no inferno.”
Edvard Munch
Depois de mais de dez anos de reformulação, abriu finalmente ao público o Munch, um dos maiores museus do mundo dedicados a um único pintor.
Bem no centro de Oslo, a dez minutos a pé da Estação Central, encontramos, muito perto da Casa da Ópera de Oslo, talvez o mais moderno, arrojado, icónico e, também, controverso1 edifício da capital norueguesa — o museu MUNCH. Uma manhã inteira (ou uma tarde) não é de mais para uma visita a este magnífico museu de doze andares (incluindo um restaurante no terraço), onde além da exposição permanente das obras de Edvard Munch, é possível apreciar trabalhos de outros pintores, como Van Gogh, Salvador Dali, Auguste Rodin ou Pablo Picasso. Pelo menos foi o que aconteceu quando ali estivemos, em abril de 2022. Este espaço museológico é enorme, por isso não surpreende que, apesar de ser dedicado a um único artista, os seus responsáveis possam organizar, em paralelo, exposições com obras vindas do exterior.
Edvard Munch foi extremamente produtivo. Ele manteve a sua atividade artística durante mais de seis décadas — desde os anos oitenta do século dezanove até ao ano da sua morte, em 1944 — e é considerado um dos autores mais importantes do modernismo. No início do seu percurso artístico, destacou-se como membro integrante do simbolismo2 e tornar-se-ia um pioneiro da arte expressionista a partir do início do século XX. A incansável persistência na experimentação de diferentes motivos e técnicas garantiu-lhe um lugar de destaque na História da Arte norueguesa, e também mundial.
Cavalo Galopante (1910-1912), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Essa característica experimental da obra de Munch não permite que encaixemos o seu trabalho num único movimento ou estilo. Mais conhecido como simbolista e, sobretudo, expressionista, ele fez também incursões pelo universo surrealista3. Em 1930, sofreu um acidente que lhe provocou uma lesão ocular, ficando temporariamente cego de uma vista. Durante esse período, Munch produziu vários trabalhos simbólicos e abstratos, derivados das visões que o ferimento lhe tinha provocado na retina. Estes trabalhos podem ser enquadrados na ideia então contemporânea de “olho interno”, algo que o próprio Munch definiu da seguinte forma: “A natureza não é apenas aquilo que é visível pelo olho, é também o que é reproduzido pelas imagens internas da alma — imagens da parte de trás do olho”. Em 1944, o biógrafo de Munch, Rolf Stenersen, sustentou que as obras produzidas por Edvard, quando estava parcialmente cego, poderiam ser interpretadas como representações do inconsciente. Stenersen defendeu que esses trabalhos eram surrealistas, pois resultavam de impulsos do inconsciente.
O Assassino (1910), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Edvard Munch viveu em vários lugares, mas a maior parte do tempo na Noruega natal, num raio de poucos quilómetros em torno da capital, Oslo, onde também viveu e se formou, na Escola de Artes e Ofícios. Tendo nascido em Löten (em 12 de dezembro de 1863), 120 quilómetros a norte de Oslo, Munch veio estudar para a capital, onde foi bastante influenciado pelo Kristiania Bohème, um círculo cultural de escritores e artistas, particularmente por um dos seus membros mais antigos, o pintor Christian Krohg, que incentivou e orientou o jovem Edvard Munch. A estética naturalista deste movimento foi rapidamente ultrapassada por Munch quando, aos 26 anos, fez uma viagem a Paris e passou a conhecer de perto o impressionismo francês, sobretudo através dos trabalhos de Paul Gaughin e Henri de Toulouse-Lautrec.
Apesar de ter vivido em Berlim (1892-95) e Paris (1896-97), os locais onde Munch mais pintou foram na sua Noruega natal. Ele passou vários verões em Åsgårdstrand, cerca de 100 quilómetros a sul de Oslo. O primeiro verão que passou em Åsgårdstrand foi em 1889, e, em 1897, Munch comprou uma pequena cabana de pescadores, à qual passou a referir-se como o seu “lugar feliz”. As linhas costeiras desta pequena e tranquila localidade logo atraíram a atenção de Munch e ainterpretação estilizada dessas margens, muitas vezes combinada com o luar, tornou-se um elemento recorrente do seu grande projeto existencial O Friso da Vida.
Em 1909, após um longo período de doença, Munch foi viver para Kragerø, na margem ocidental do fiorde de Oslo, onde alugou uma casa com vista para o mar. Foi nesta localidade que passou um dos períodos mais alegres e produtivos da sua vida artística.
O Sol (1910-1911) é um quadro gigante exposto no sexto andar do museu, que é consagrado às obras monumentais de Munch. Esta obra, produzida originalmente para os murais da Universidade de Oslo é especialmente importante porque é também um marco da aceitação tardia do trabalho de Munch na Noruega.
A natureza de Kragerø inspirou Munch a pintar o grande mural vitalista O Sol — o nascimento do astro-rei, símbolo mais puro da força da vida, retratado com pinceladas ousadas e vigorosas. Outros temas de Kragerø, que também aparecem na arte de Munch, são as ruas pitorescas, a alternância das estações, e cenas do dia-a-dia dos habitantes.
Em 1913, ainda dentro do Fiorde da Noruega, Munch subiu para Jeløya, nos arredores de Moss, onde morou durante três anos, até 1916. Os anos em Jeløya foram altamente produtivos e intensos, e Munch trabalhou avidamente com pinturas e xilogravuras coloridas. Uma das pinturas mais famosas de Munch, Trabalhadores a Caminho de Casa, foi produzida em Moss. Munch também representou, neste período, as belas paisagens culturais de Jeløya.
Mais tarde, já em Oslo, onde cresceu e se iniciou como jovem artista, Munch desenvolveu uma relação tensa com a cidade, tendo encontrado na capital os seus rivais mais ferozes e também os críticos mais severos da sua obra4.
Trabalhadores a Caminho de Casa (1915), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Mas os problemas de Munch já vinham de longe. Ele foi atormentado por doenças persistentes e também por uma infância difícil — com lutos e doenças mentais na família5 — as quais tiveram grande influência no seu trabalho artístico. Desde o ultrafamoso O Grito, até aos muitos milhares de esboços que produziu, a obra de Munch está repleta de emoções e traumas psicológicos. Várias versões de O Grito6 estão guardadas no MUNCH, incluindo desenhos, uma versão posterior pintada, e seis litografias.
O Grito é, sem dúvida, a obra mais famosa de Munch, um trabalho incrivelmente intemporal. Trata-se de uma narrativa aberta, em que o principal protagonista é estranhamente enigmático — não pertencendo a nenhuma classe, ou género, ou cultura, ou raça. O tema resulta de um passeio que Munch fez com amigos, num fim de tarde de 1891, quando o sol caía sobre o fiorde de Oslo. Todas as versões de O Grito são diferentes, mas igualmente poderosas. Há quem diga, provavelmente com razão, que O Grito manifesta a angústia do artista, provocada por decepções na sua vida pessoal, quer no que diz respeito ao amor, quer no que toca aos amigos. O quadro mostra-nos uma criatura enigmática em pânico — cuja forma pode sugerir, de algum modo, um feto, ou mesmo um espermatozoide (símbolos da extrema fragilidade da vida) — e cujos contornos se projetam no fundo avermelhado do horizonte; dois transeuntes seguem o seu caminho, indiferentes.
A célebre pintura O Grito (têmpera e óleo sobre cartão, provavelmente de 1910). Munch criou todas as versões desta obra em cartão ou papel, tornando-as mais frágeis do que seriam se tivessem sido produzidas em óleo sobre tela. É por isso que as três versões7 patentes na sala do museu dedicada a OGrito — uma pintura (na foto), um desenho a pastel (1893) e uma litografia (1895) — são apresentadas rotativamente, uma de cada vez, apenas por uma hora, sendo depois encerradas numa câmara escura até nova apresentação.8 Ou seja, há sempre uma das versões exposta, enquanto as outras duas permanecem no escuro.
É de notar que a estrada onde esses homens estão segue em linha reta para o infinito, o que torna ainda mais notória a distância que os separa do protagonista. Isto reforça a ideia de que a angústia e o desespero de uma pessoa pode ser completamente indiferente para outras. Embora o próprio Munch tenha escrito sobre a sua obra mais famosa9, O Grito continua, apesar de tudo, a ser um enigma, tanto no conteúdo como na forma. Não há uma interpretação única sobre a obra, antes inúmeras interpretações. Uma delas, verdadeiramente surpreendente, foi publicada em 2003, na revista Sky and Telescope por um grupo de professores de Física e Astronomia da Universidade Estadual do Texas, que se deslocaram até Oslo para perceberem onde teria sido o local exato onde Munch observara o tal céu vermelho-sangue. Depois de determinada a localização, os investigadores americanos concluíram que um céu semelhante ao descrito por Munch pode de facto ter sido observado naquela zona do globo, resultante da grande erupção do vulcão da ilha de Krakatoa, na Indonésia, em 1883 — uma das mais terríveis erupções vulcânicas registadas, que provocou o desaparecimento da ilha. Os investigadores concluíram assim que Munch estaria a olhar para sudoeste, exatamente o quadrante onde o clarão do Krakatoa apareceu, naquele inverno de 1883-1884. Isto parece vir ao encontro das próprias palavras de Munch (ver nota 9) quando este refere que sentiu um imenso grito infinito através da natureza.
Todas as versões de O Grito são diferentes. Mas todas são igualmente poderosas. Na foto, a litografia de 1895.
É, pois, impressionante como uma pequena obra pode dizer-nos tanto. E seja qual for a interpretação que tenhamos, nenhuma vai retirar o lugar que O Grito conquistou na História da Arte, um dos mais altos, senão o mais elevado, da corrente conhecida como Expressionismo.
Uma das características da arte de Munch é a atenção que dedica ao movimento, criando drama e intensidade nas suas obras: as linhas diagonais chamam a nossa atenção, puxando-nos, e provocando um movimento das figuras na nossa direção, gerando um confronto. Podemos reconhecer tais recursos desde os primeiros tempos da fotografia e do cinema — novos meios de imagem que ganharam destaque no tempo de Munch. Ele próprio experimentou a fotografia10e deslocava-se com certa frequência ao cinema, tendo além disso realizado pequenos filmes em torno de Oslo e no jardim da sua casa. Por isso se pensa que estas novas tecnologias influenciaram a sua arte. Porém, é preciso dizer que, com Munch, o movimento está sempre associado à emoção. Ele procura agarrar o espectador, imprimindo ao seu trabalho uma carga intensa e dramática. Munch pinta para criar a sensação de movimento dentro do próprio espectador.
A intensa produção de artes gráficas de Edvard Munch — gravuras, xilografias, litogravuras — começou em 1894. No MUNCH, os visitantes podem experimentar algumas técnicas utilizadas pelo pintor. Munch não tinha grande experiência gráfica, o que constituiu o principal motivo para a criação de técnicas inovadoras.
De acordo com Gray F. Watson, professor da Wimbledon School of Art, de Londres, Munch foi um líder na revolta contra os ditames naturalistas da pintura académica do século XIX e também foi além do naturalismo ainda inerente ao impressionismo. A sua concentração nos fundamentos emocionais levava-o por vezes a simplificações radicais da forma e a uma abordagem expressiva, em vez de descritiva, da cor. Estas tendências foram a dotadas por artistas mais jovens, nomeadamente os principais proponentes do expressionismo alemão. Talvez a sua influência formal mais direta na arte posterior possa ser vista na área da xilogravura. Mas o seu legado mais profundo para a arte moderna estava no seu propósito de abordar aspetos universais da experiência humana. Munch herdou o misticismo tradicional e a ansiedade da pintura do norte da Europa, que recriou numa arte altamente pessoal. O seu trabalho continua a expressar a situação tipicamente moderna do indivíduo diante da incerteza de um mundo contemporâneo em rápida mudança.11
A exposição patente no MUNCH está dividida em doze temas, que podem ser visitados pela ordem que se quiser — Só; Morrer; O Grito; Amor; Género; Outdoors; Nu; Outros; O Eu; Em Movimento; À Superfície; Variações.
Terminamos com uma frase retirada da exposição que tivemos a felicidade de visitar seis meses após a inauguração deste novo museu:
Não existe uma verdade única sobre Edvard Munch e o seu trabalho. A obra de Munch e a nossa compreensão da mesma podem ser consideradas infinitas.
No terraço do icónico e controverso edifício que acolhe e é, ele próprio, o museu MUNCH.
1A fase mais recente do projeto de renovação da zona ribeirinha de Oslo, que já dura há décadas, tem sido, de facto, controversa. O projeto do Munch, de autoria do renomado estúdio de arquitetos Herreros, com sede em Madrid, foi também criticado por alguns moradores nos meios de comunicação locais, sobretudo devido à forma “vertical” incomum e à fachada cinza do edifício.Os arquitetos disseram que se inspiraram, sobretudo, nas impressionantes torres do edifício da Câmara Municipal de Oslo.
2O termo “simbolismo” foi cunhado pela primeira vez pelo crítico francês Jean Moréas, em 1886, e rapidamente usado para caracterizar artistas e escritores que rejeitavam as representações realísticas do mundo exterior, em favor da exploração da vida interior da alma humana. O objetivo destes artistas era o de expressarem as ideias que estão por trás da realidade visível, ou, tal como o autor Knut Hamsun referiu em 1890, “mostrar a vida inconsciente da alma”. O movimento representava uma nova e radical compreensão do “eu”, que em vez de ser algo estável e constante, era visto como fluído e fragmentado. Na década de 1890, o simbolismo desenvolveu-se como um movimento cultural abrangente, que incluía Arthur Rimbaud, Paul Gauguin, Auguste Rodin, James Ensor, August Strindberg, Vincent Van Gogh e Edvard Munch.
3O surrealismo surgiu na ressaca da Primeira Guerra Mundial, após milhões de mortos e uma Europa em ruínas. Simultaneamente, Sigmund Freud e a psicanálise aportaram uma visão inovadora sobre a mente humana. Dedicando-se às questões do inconsciente — sonhos, desejos e impulsos inconscientes — os artistas, na opinião de André Breton, deveriam liderar o caminho para uma nova ordem mundial. Durante os anos 20 e 30 do século XX, Breton atraiu um vasto conjunto de escritores, artistas plásticos e realizadores cinematográficos, disposto a desafiar a moralidade, a tradição e a própria racionalidade. Entre estes estavam Max Ernst, Dora Maar, René Magritte, Leonora Carrington, Claude Cahun, Salvador Dalí e Luis Buñuel.
4Munch esteve várias vezes envolvido em polémicas com outros autores. Uma luta física com um pintor rival obrigou-o a ausentar-se da Noruega durante 4 anos. Vários dos seus quadros refletem estas disputas.
5A mãe e a irmã de Munch faleceram de tuberculose quando ele tinha, respetivamente, 5 e 14 anos.O pai e o irmão também morreram quando ele era jovem. A única irmã sobrevivente desenvolveu uma doença mental pouco depois.Munch foi várias vezes hospitalizado entre 1905 e 1909 por problemas de alcoolismo, depressão e comportamento suicida.
6Quando abordamos as obras de Munch, geralmente não falamos de uma imagem, mas de várias. Ao longo de toda a sua carreira artística, Munch regressa aos mesmos temas para abordá-los de uma nova forma. Ele produzia uma versão, depois outra, e depois outra ainda. Ao revisitar os temas, novas possibilidades se revelam. Por vezes eles capta-as com um simples desenho ou, ocasionalmente, com uma escultura. Apesar de Munch nem sempre estar contente com o resultado, ele preservava todas as tentativas. Para ele não havia uma forma certa ou errada de pintar, apenas formas novas de o fazer.
7Edvard Munch produziu quatro versões coloridas de “O Grito” — duas pinturas com têmpera e dois desenhos com pastel e lápis de cera. Dois deles permaneceram na sua posse e estão hoje na coleção do Museu MUNCH. Das duas versões restantes do famoso motivo, uma faz parte da coleção do Museu Nacional da Noruega e a outra é de propriedade privada (foi comprada em leilão pelo investidor e colecionador de arte norte-americano Leon Black, em 2012, por 119,9 milhões de dólares). Munch também criou uma litografia de “O Grito”. Não se sabe quantas litografias foram impressas, mas estima-se que existam cerca de 30 impressões. Seis destas — incluindo uma colorida à mão por Munch — estão hoje na coleção do Museu MUNCH.
8 Além do cuidado necessário com os fatores climáticos, como os níveis de temperatura, humidade e oxigénio, a exposição à luz tem de ser evitada. A luz afeta os pigmentos coloridos e danifica o papel e a cartolina ao longo do tempo.
9Em 1892, na Riviera francesa, mais propriamente em Nice, Munch escreveu um poema no seu diário, descrevendo uma caminhada com os seus amigos. Ele sentiu-se cativado pela visão das nuvens flamejantes e da cidade e da água azul-negras. Escreveu Munch: “Eu estava a andar por uma estrada com dois amigos quando o sol se pôs. Senti uma rajada de melancolia e de repente o céu ficou vermelho-sangue. Eu parei, encostei-me ao gradeamento, cansado de morte, enquanto os céus flamejantes pendiam sobre o fiorde azul e negro e sobre a cidade. Os meus amigos continuaram, eu permaneci ali a tremer de ansiedade e senti um imenso grito infinito através da natureza.” Nesse mesmo ano, Munch traduziu a experiência relatada no diário visualmente. Assim nascia “O Grito”.
10Foi um dos primeiros artistas a explorar o auto-retrato fotográfico, após ter comprado uma câmara Kodak, em 1902.
House on Fire, em Eswatini. Um espaço magnífico, quer na parte coberta, quer nas zonas ao ar livre.
Eswatini é um pequeno reino situado no sudeste africano, um enclave sem acesso ao mar, envolvido por dois países bastante maiores, Moçambique e África do Sul. O porto mais próximo, que permite ao país importar e exportar produtos por via marítima, é o de Maputo, na capital moçambicana. Eswatini chamava-se antes de 2018 Suazilândia, mas o rei Mswati III decidiu nesse ano alterar o nome do país, que queria dizer “terra dos zwazis”, os descendentes de povos que vieram do norte, em vagas sucessivas.
Desde que começaram a praticar a agricultura até hoje, passando pela autonomia (finais do século XIX) e a independência (1968) ambas concedidas pelos britânicos, esta foi sempre a principal atividade económica dos habitantes do atual Eswatini (se a ela juntarmos a criação de gado), embora se note uma crescente aposta em algumas pequenas indústrias, sobretudo na construção (obras públicas) e no turismo. Embora Eswatini e Moçambique sejam dois dos países mais pobres do planeta, nota-se um diferença considerável entre ambos, sendo Eswatini palpavelmente mais desenvolvido que Moçambique, embora este tenha condições naturais, geográficas e dimensionais para ser mais desenvolvido do que aquele.
Eventos diversos ocorrem no espaço aberto: festivais, concertos, casamentos, festas de aniversário, entre outros. O mais famoso é o MTN Bushfire Festival.
House on Fire é uma instalação que se enquadra numa tentativa de desenvolvimento do país, impulsionado pelo turismo, uma aposta dos responsáveis de Eswatini, embora seja uma iniciativa privada. Situada 20 kms a sudeste da capital, Mbabane, aqui se realizam eventos diversos, incluindo, anualmente, em finais de maio, o MTN Bushfire, um dos mais conceituados festivais de música africanos. (https://youtu.be/nYhCAy9xZUE).
Idealizado pelos irmãos, Jiggs Thorne e Sholto Thorne, a House of Fire foi construída numa exploração de cana-de-açúcar e inaugurada no ano 2000. As suas esculturas ao ar livre refletem influências da Owl House, em Neiu Bethesda (África do Sul), e do Rock Garden, em Chandigarh (Índia). Apesar das diferenças, fez-nos lembrar Casapueblo, de Carlos Páez Vilaró (nosso artigo aqui).
Pormenor de um ponto de iluminação no espaço interior da House on Fire. (Foto: Fla).
A primeira das construções — o teatro — foi projetada com a colaboração da arquiteta sul-africana Sarah Calburn, tendo as posteriores evoluído para um espaço multifuncional em constante evolução, onde artistas locais, com destaque para Noah Mduli, continuam a dar asas à criatividade.
A intenção é a de apresentar uma filosofia de “harmonia em contraste”, com ícones e símbolos de todo o mundo. Um exemplo, bem interessante, sobretudo para nós, é o de um pequeno mural, erguido no jardim, onde se pode observar, por cima de uma frase de Einstein, uma imagem de Fernando Pessoa.
Aldeia em Eswatini.
A prova de que a House on Fire não para, é o último grande evento organizado pela sua equipa: o Festival conhecido como Standard Bank Luju Food & Lifestyle Festival, iniciado em 2018, que dedica dois dias às comida, moda e música, apresentando os melhores chefes gastronómicos da região.
House on Fire, independentemente dos eventos que ali se realizam (http://www.house-on-fire.com), é um espetáculo por si só.
Alfred Nobel foi um empresário, inventor e cientista sueco que acumulou uma fortuna considerável ao longo da sua vida de 63 anos. Para lá dos bens materiais, como dinheiro, títulos e imóveis, Alfred possuía igualmente bens que ultrapassavam o puro valor material; o seu amor pela literatura1 compelia-o a comprar muitos livros, pelo que possuía uma biblioteca vasta e valiosa. Parece que Alfred Nobel era um indivíduo empreendedor e confiante, mas simultaneamente reservado e tímido; de acordo com as suas próprias palavras, “misantropo e idealista”. É consensual que tinha um feitio difícil e não se sabe se por isso mesmo, ou por excesso de trabalho, nunca teve vontade ou oportunidade de constituir família. Alfred não teve filhos e não deixou herdeiros diretos.
Em 27 de novembro de 1895, um ano e 13 dias antes de morrer, Alfred Nobel assinou, em Paris, o último testamento. Logo após a sua morte, um número considerável de pessoas, familiares e amigos, aguardavam ansiosamente por conhecerem o teor desse documento, uma vez que todos tinham consciência de que era possuidor de uma das maiores fortunas mundiais privadas. Para grande desapontamento de muitos deles, declarava o seguinte na sua última vontade:
Porta de entrada do Comité do Nobel Norueguês
A totalidade do meu património remanescente realizável será alienada da seguinte forma: o capital, investido em títulos seguros pelos meus testamenteiros, constituirá um fundo, cujos juros serão atribuídos anualmente a título de prémio àqueles que, durante o ano anterior, terão conferido o maior benefício à humanidade. Os juros serão divididos em cinco partes iguais, a serem repartidos da seguinte forma: uma parte à pessoa que tiver feito a descoberta ou invenção mais importante no campo da física; uma parte à pessoa que tiver feito a descoberta ou invenção química mais importante; uma parte para a pessoa que tiver feito a descoberta mais importante no domínio da fisiologia ou medicina; uma parte à pessoa que no campo da literatura tenha produzido a obra mais destacada de tendência idealista; e uma parte à pessoa que tiver feito mais ou melhor trabalho pela fraternidade entre as nações e pela abolição ou redução dos exércitos permanentes e pela formação e difusão de congressos de paz. Os prémios de física e química serão concedidos pela Academia Sueca de Ciências; para trabalhos fisiológicos ou médicos pelo Instituto Caroline, em Estocolmo; para a literatura pela Academia em Estocolmo, e para os defensores da paz por um comité de cinco pessoas a serem selecionadas pelo parlamento norueguês. É meu desejo expresso que na atribuição dos prémios não seja dada qualquer consideração a filiações nacionais de qualquer tipo, para que o mais digno receba o prémio, seja escandinavo ou não.2
Cópias das primeira e última páginas do testamento de Alfred Nobel, no Instituto Nobel Norueguês.
Alguns dos familiares de Alfred Nobel solicitaram a invalidade do testamento e nessa luta conseguiram o apoio de rei Oscar II, que considerou “fantasiosas” as pretensões de Alfred. Além destes, também muitos conservadores desejavam impedir a realização do testamento, considerado “antipatriótico”, uma vez que os prémios deveriam ter sido reservados para os suecos. Só após longas e difíceis negociações, que envolveram o governo, os executores Ragnar Sohlman e Rudolf Lilljequist conseguiram desatar os nós jurídicos envolvidos. Finalmente, em 29 de junho de 1900, os estatutos da recém criada Fundação Nobel foram aprovados pelo relutante rei Oscar II; e em 10 de dezembro de 1901 foram concedidos em Estocolmo e Oslo os primeiros prémios Nobel.3
O que teria levado um cientista e inventor da dinamite a uma decisão tão altruísta em favor da espécie humana, ao expressar a sua vontade de que fossem premiados anualmente os mais destacados no benefício da humanidade, incluindo quem “fez mais ou melhor para promover a comunhão entre as nações, a abolição ou redução de exércitos permanentes e o estabelecimento e promoção de congressos de paz”? Os biógrafos indicam que por trás dos ideais pacifistas de Alfred Nobel estava uma mulher. Não uma mulher com quem ele tivesse uma relação amorosa, mas uma amiga com quem se correspondeu durante anos e que, sendo ela própria pacifista, teve uma forte influência sobre o empreendedor sueco. Essa mulher chamava-se Bertha von Sutnner4 e, curiosamente, conheceu Nobel ao responder a um anúncio de jornal de “um senhor muito culto, rico e idoso, morando em Paris, que deseja encontrar uma senhora também de idade madura, familiarizada com idiomas, como secretária”.5
O desenho da medalha do Nobel da Paz foi realizado por Gustav Vigeland, um escultor norueguês de nomeada. A medalha pesa 196 gramas em ouro de 18 quilates. Esta é uma cópia da medalha que foi atribuída ao político sueco Christian Lous Lange, premiado em 1921. Patente no Centro Nobel da Paz, em Oslo
Não se conhece exatamente a razão pela qual Alfred Nobel optou, no seu testamento, pela criação de um comité, designado pelo parlamento norueguês (Storting), para a atribuição do prémio da paz. Trata-se de um facto e não adianta muito especular sobre ele. No entanto, Geir Lundestad, ex-secretário do Comité Nobel Norueguês e diretor do Instituto Nobel, resume no seu artigo O Prémio Nobel da Paz, 1901-2000, as suposições mais frequentes e melhor fundamentadas: Nobel, que escreveu o testamento no Clube Sueco-Norueguês de Paris, pode ter sido influenciado pelo facto de que, até 1905, a Noruega ter estado em união com a Suécia; ele pode também ter considerado a Noruega um país mais orientado para a paz e mais democrático que a Suécia; finalmente, Nobel pode ter sido influenciado pela sua admiração pela ficção norueguesa, particularmente por Bjornstjerne Bjornson, conhecido ativista da paz na década de 1890; ou pode ter sido uma combinação destes três fatores.6
A verdade é que os noruegueses levaram essa incumbência muito a sério, e o Nobel da Paz é um prémio com significado e importância muito especiais. Em Oslo há dois locais onde podemos perceber isto, e nós visitámos ambos na nossa mais recente visita. Falamos do Instituto Nobel Norueguês e do Centro Nobel da Paz. O primeiro é onde trabalham os membros do Comité Nobel Norueguês7 e o seu secretariado; o segundo é um museu onde podemos percorrer, através da exposições ali patentes, partes das vidas e dos pensamentos quer de Alfred Nobel, quer dos muitos laureados com o Nobel da Paz, com destaque lógico para os últimos ganhadores8: uma ala do museu estava no momento da nossa visita dedicada aos laureados com o Nobel da Paz de 2021, o russo Dmitry Moratov e a filipina Maria Ressa.
Moratov e Fla.
Dmitry Moratov e Maria Ressa são jornalistas e ambos vivem em países onde não há liberdade de imprensa. Tal como outros colegas, arriscam a vida por exercerem uma profissão incómoda para o poder. O caso russo é mais grave que o filipino e, além disso, tem relação direta com a guerra que Vladimir Putin decidiu fazer à Ucrânia. É por isso que, nesta ala do museu, o enfoque está todo na falta de liberdade que se vive na Rússia, onde vigora um regime autocrático que piorou muito ao longo dos últimos vinte anos. Há uma relação inequívoca entre paz e liberdade, e os responsáveis pela exposição quiseram realçá-la, conduzindo o visitante a uma importante conclusão: não pode haver paz onde não há liberdade. Este é o primeiro ponto a considerar em relação à paz.
O segundo ponto, que também tem relação direta com a atual guerra iniciada por Putin, tem a ver com a grave ameaça que representam para a humanidade as armas nucleares. Cabe aqui dizer que em 2017 a ICAN – International Campaign to Abolish Nuclear Weapons (Campanha Internacional para a Abolição das Armas Nucleares), uma organização fundada em 2007 em Melbourne, na Austrália, ganhou o Prémio Nobel da Paz de 2017. A ICAN é uma organização global, composta por mais de 600 ONGs, com presença em 108 países. Por razões óbvias, é natural que o Comité Norueguês do Nobel e o Centro do Nobel da Paz dediquem uma especialíssima atenção à verdadeira espada de Dâmocles que pende sobre a cabeça de todos os seres humanos — as armas nucleares.
Nesta sala do museu estão fotografados todos os laureados com o Nobel da Paz.
Em 7 de junho de 2017, após uma década de intensos trabalhos da ICAN e seus parceiros, a maioria das nações do mundo adotou um acordo global histórico para proibir as armas nucleares conhecido oficialmente como Tratado sobre a Proibição de Armas Nucleares9. Entrou em vigor em 22 de janeiro de 2021. No sítio da organização, numa página cujo título é Porquê um banimento?, a ICAN explica porque se bate não apenas pela proibição, mas pelo banimento completo das armas nucleares: As armas nucleares são as armas mais desumanas e indiscriminadas jamais criadas. Têm consequências humanitárias e ambientais catastróficas que se estendem por décadas e atravessam gerações; geram medo e desconfiança entre as nações, já que alguns governos podem ameaçar destruir cidades inteiras num piscar de olhos; o alto custo da sua produção, manutenção e modernização desvia fundos públicos da saúde, educação, socorro em desastres e outros serviços vitais. Proibir essas armas imorais e desumanas sob a lei internacional foi um passo crítico no caminho para exterminá-las, antes que elas acabem connosco.10
O museu apresenta algumas citações dos laureados. Esta pareceu-nos particularmente interessante.
A guerra infligida à Ucrânia é uma das maiores calamidades deste século, bem como a chantagem nuclear de Putin. Trata-se de uma ameaça muito séria à paz na Europa e no mundo. Nas bibliotecas e livrarias que visitámos na Noruega, as obras destacadas são todas sobre os temas do momento: a Ucrânia, a Rússia, as relações internacionais e, sobretudo, Putin. As cores da bandeira ucraniana são visíveis nas cidades da Noruega (e da Dinamarca). O apoio do povo norueguês à Ucrânia e à liberdade sente-se não apenas no Centro Nobel da Paz e no Instituto Nobel Norueguês, mas, podemos constatá-lo, um pouco por todo o lado.
3Embora a maioria das pessoas pense que existem 6 diferentes prémios Nobel, a área da Economia não foi, como vimos, contemplada no testamento de Alfred Nobel. Só em 1968 o Banco da Suécia instituiu o “Prémio de Ciências Económicas em Memória de Alfred Nobel”. A atribuição deste prémio segue todos os critérios de atribuição dos prémios Nobel, por isso é muitas vezes confundido e considerado como tal, mas é, na realidade, um prémio similar, mas diferente à sua criação e ao seu financiamento.
4Bertha von Suttner era escritora e ela própria ganhou o Nobel da Paz em 1902.
5nobelpeacecenter.org.
6nobelprize.org
7Como se disse, os cinco membros do comité são designados pelo parlamento. Embora sejam normalmente políticos, não podem estar na política ativa, isto é, não podem ser deputados ou membros do governo.
8Podemos dividir as exposições do museu em quatro partes: o historial do Nobel da Paz; a vida de Alfred Nobel (passamos por uma réplica do interior da casa onde morreu, em San Remo, na Riviera Italiana); os laureados; os últimos contemplados com o Nobel da Paz. Há também, como em quase todos os museus, uma loja onde se podem comprar artigos alusivos ao Nobel da Paz.
A zona a norte da cidade, onde fica a praia, foi motivo de grande parte das obras dos Pintores de Skagen, várias das quais patentes no museu. Na foto podem ver-se um bunker usado pelos alemães na Segunda Guerra Mundial e, ao fundo, a língua de areia onde convergem o Mar Báltico e o Mar do Norte.
Skagen é uma pequena cidade situada no extremo norte da Dinamarca. Acima da cidade há uma praia que apresenta uma forma muito curiosa, pois na extremidade tem o que parece um espigão de areia que entra pelo mar dentro e separa, supostamente, o Mar do Norte do Mar Báltico. Dada a sua condição geográfica, não surpreende que as principais atividades estejam ligadas à pesca e ao turismo: Skagen é o principal porto de pesca da Dinamarca e o turismo atrai à cidade cerca de dois milhões de pessoas por ano. Aqui, neste pequeno burgo, está situado um importante museu.
Na viragem do século XIX para o século XX, a região de Skagen foi uma importante zona de veraneio para os próprios dinamarqueses, atraindo artistas de todas as áreas e inclusive a família real. O rei Cristiano X e sua mulher Alexandrina mandaram aí construir uma residência de Verão, onde recebiam os amigos, incluindo membros de outras monarquias europeias. Vários pintores dinamarqueses também descobriram os encantos deste local, ainda durante os últimos anos do século XIX, seduzidos pela vida ao ar livre e motivados pela pintura naturalista.
P.S. Kroyer, Fogueira de Verão na Praia de Skagen (1906). Museu de Skagen.
Alguns deles, oriundos da Real Academia Dinamarquesa de Belas Artes, em Copenhaga, estão entre os maiores pintores modernos da Dinamarca. No século XIX, aquela escola foi o local onde pintores masculinos estudavam e expunham os seus trabalhos. As mulheres não tinham acesso à academia, até 1908, e só em 1925 lhes foi permitido estudarem em conjunto com os homens. Em alternativa, podiam recorrer às escolas privadas de Copenhaga, ou ir para o estrangeiro, para aprenderem a desenhar com modelos vivos. Foi assim que desde os anos de 1880 muitas mulheres dinamarquesas intervieram em colónias artísticas de outros países, onde puderam trabalhar e participar nos debates sobre arte e cultura em pé de igualdade com os homens.
Michael Ancher, Anna, Helga e Michael Ancher no Pântano (1905). Museu de Skagen.
Mas já na década de 1870 fermentava uma rebelião entre os jovens artistas masculinos que se encontravam na fase final de graduação na Real Academia Dinamarquesa de Belas Artes. Insatisfeitos com o ensino antiquado e fora de moda desta escola, aspiravam por novas vias no estrangeiro. As viagens de estudo a França tornaram-se, por isso, cada vez mais populares. Muitos pintores escandinavos e dinamarqueses tiveram acesso ao Atelier Bonnat, em Paris, onde pintaram desenfreadamente, enquanto nos tempos livres se deslocavam para fixar em tela as paisagens francesas, experimentando o prazer da moderna pintura ao ar livre. Colónias artísticas foram estabelecidas fora das grandes cidades, não só em França, mas também noutros países mediterrânicos, como Espanha e Itália. Skagen transformou-se numa réplica desses modelos europeus.
Michael Ancher, O Pescador Afogado (1886). Museu de Skagen.
Foi então que os jovens pintores começaram a romper com os ensinamentos da academia, focando-se em novos e diversos motivos. Este era o tempo de captar a vida do dia-a-dia e retratar a realidade nua e crua, sem embelezamentos. Entre estes artistas encontravam-se dois grandes pintores: Michael Ancher (que não chegou a completar o curso na Real Academia) e P.S. Kroyer. Ambos viveram largos períodos de suas vidas nesta cidade. Michael visitou Skagen pela primeira vez em 1874, acabando por casar em 1880 com a pintora Anna Brondum, cujo pai era o dono do hotel Bromdums, onde normalmente se hospedavam os apelidados Pintores de Skagen, que ali passavam todos os verões. O casal de pintores passou a viver em Skagen num local que hoje se situa no jardim do museu.
P.S. Kroyer, Barco Branco na Praia (1895). Museu de Skagen.
Por seu turno, P. S. Kroyer (que nasceu em Stavanger na Noruega) veio pela primeira vez a Skagen em 1882 e, durante outros 22 anos, passou temporadas na cidade, quase sempre no verão, incluindo todo o ano de 1908, vindo a falecer, aqui, em 1909. Não surpreende, por isso, que o Museu de Skagen possua no seu acervo significativas obras, quer dos Ancher (Michael e Anna), quer de Kroyer, sobretudo pinturas realistas cujos motivos se relacionam com a praia e a sua envolvente natural. As nuances de luz nos vários períodos do dia e nas diversas condições do tempo, inspiraram estes e outros pintores a mostrarem as atividades que decorriam na praia, fossem de trabalho (pescadores, pintores, transportadores) ou de lazer (crianças banhistas, pessoas passeando na praia, festividades), entre outros motivos.
Quem for a Skagen tem de visitar o seu magnífico museu. É obrigatório!
Carl Locher, A Carruagem do Correio (1885). Museu de Skagen.
Na nossa visita à cidade dinamarquesa de Aarhus houve dois locais que nos surpreenderam: a parte antiga, conhecida como Den Gamle By, e sobretudo o Museu de Arte ARoS. E para a surpresa ser completa, mal transpusemos a porta deste, deparámo-nos com uma peça monumental de Joana Vasconcelos (Valkyrie Rán), que ali permanecerá até novembro do presente ano, abrangendo totalmente o comprimento do átrio do museu.
“Boy”, de Ron Mueck.
Depois fomos subindo os andares do ARoS e apreciando as diversas exposições. Destas destacamos os trabalhos do artista hiper-realista australiano, Ron Mueck, sobretudo uma escultura gigante intitulada “Boy”, com 4,5 metros de altura e 500 quilos de peso, que é uma das imagens de marca deste espaço cultural, presente em pins, sacos, cadernos, canecas e todo o tipo de souvenirs que se podem comprar na loja do museu.
Your Rainbow Panorama. Magnífico.
Até que finalmente chegamos ao terraço e deparamos com a estrela permanente deste magnífico edifício. Trata-se de uma passarela circular, com 150 metros de comprimento, 3 de largura e 52 de diâmetro – Your Rainbow Panorama – situada no topo do edifício, 50 metros acima do solo. O seu autor é o criador dinamarquês e islandês, Olafur Eliasson. Com paredes de vidro das cores do arco-íris, esta estrutura proporciona vistas espetaculares sobre a cidade e a baía de Aarhus e é, desde maio de 2011, um dos ícones da cidade.
É irresistível passear nesta passarela.
O ARoS vê-se praticamente de toda a cidade e, mesmo que não se goste de museus, é quase impossível ir a Aarhus e não reservar algum tempo para visitá-lo. Não há qualquer dúvida de que vale a pena.
A zona costeira ocidental, entre St Paul e St Louis, onde se encontram as melhores praias da ilha, vista do Piton Maïdo, 2190 metros acima do nível do mar.
É uma das ilhas mais fascinantes do planeta. Belíssimas praias, altas montanhas, cascatas, vulcões ativos ou extintos, lagoas, paisagens deslumbrantes, e infraestruturas modernas. Sim, porque Reunião é uma das 18 regiões francesas e, simultaneamente, um departamento ultramarino de um dos países mais desenvolvidos do mundo, a França1. A excelente qualidade de vida nesta generosa ilha de 2512 quadrados (a maior do arquipélago de Mascarenhas) é manifesta, imediatamente reconhecível, mal pisamos a terra de Reunião 2. O clima é agradável, com uma temperatura amena durante todo o ano (excetuando, claro, as zonas montanhosas) e o PIB per capita é o maior de África. Os serviços oferecidos aos cidadãos, embora numa região remota, estão ao nível do primeiro mundo. Quem não gostaria de viver aqui?
Saline-les-Bains, praia magnífica, protegida por um recife de coral.
Infelizmente, a nossa estadia em Reunião foi demasiado curta. Porém, maravilhosa. Começámos por subir, no nosso carro alugado, até ao Maïdo, um pico vulcânico considerado a “varanda de Reunião”. A vista é realmente deslumbrante, abarcando todo o Cirque de Mafate – o coração de um vulcão extinto – e para lá deste, grande parte da zona costeira ocidental, as suas magníficas praias e o mar, que se funde no horizonte com o céu azul. O Cirque de Mafate é uma zona propícia a caminhadas e os percursos pedestres, não apenas aqui mas um pouco por toda a ilha, são incontáveis. Nós próprios nos aventuramos por um caminho de tamarindos, logo abaixo do Maïdo. aonde muitas famílias vão passear e fazer piqueniques3. Toda esta zona faz parte do Parque Nacional de Reunião4, considerado Património Mundial pela UNESCO.
Praias de areia branca, salpicada por folhas que caem das árvores que nos oferecem sombra natural.
Depois, fomos descendo a montanha, por estradas secundárias, até à costa. Dos socalcos da montanha as vistas multiplicam-se, os pequenos aglomerados e as praias vão ficando cada vez maiores. As nuvens, que há pouco estavam abaixo de nós, vão ficando cada vez mais altas, até que chegamos à praia. O mar ganhou um incrível tom, azul turquesa. Claro que tivemos de prová-lo. A praia de Saline-les-Bains, em forma de lagoa devido à barreira de coral, é calma, segura e incrivelmente bonita5.
Uma hora depois abandonámos Saline-les-Bains, rumo ao conjunto de cascatas conhecido por Basin des Egrets, no distrito de Saint Paul. Separadas por poucas centenas de metros, é possível visitar as três principais cascatas através de caminhos estreitos e luxuriantes, ouvindo o som das quedas de água. O nosso dia aproximava-se do fim, bem como a nossa visita à ilha de Reunião, um dos territórios mais fascinantes que tivemos o privilégio de conhecer. Um dia, quem sabe, voltaremos.
Uma das cascatas e um dos lagos de Basin des Egrets.
CURIOSIDADE: As ilhas Mascarenhas devem o nome ao navegador e diplomata português Pedro Mascarenhas que foi vice-rei da Índia. Os portugueses foram os primeiros europeus a chegar a esta zona e mapearam-na. Uma das ilhas que aparece nos mapas antigos é Santa Apolónia. Uma expedição recente a um vulcão submerso a 150 kms para leste de Reunião — O Monte la Pérouse — revelou que este tinha o mesmo formato da ilha de Santa Apolónia. Os cientistas concluíram que O Monte Pérouse é afinal a ilha de Santa Apolónia mapeada pelos portugueses, que entretanto foi coberta pelo oceano.
1 Reunião acompanha Martinica, Guadalupe, Guiana Francesa, Mayote, Nova Caledónia, Polinésia Francesa, São Bartolomeu, São Martinho, São Pedro e Miquelão, as Terras Francesas Meridionais e Antárticas e as ilhas Wallis e Futuna, que também têm o estatuto de territórios ultramarinos de França.
2 O IDH (Índice de Desenvolvimento Humano) de Reunião é considerado “muito alto” no último Relatório de Desenvolvimento Humano do PNUD (Programa das Nações Unidas para o Desenvolvimento).
3 O Sentier de la Tamarinaie, como é conhecido em Reunião, tem o comprimento de 2.500 metros.
4 O Parque Nacional de Reunião abrange uma área de 105.000 hectares, que correspondem a cerca de 42% do território da ilha.
5 Esta zona costeira entre Saint Paul e Saint Pierre, na parte ocidental da ilha, é onde se encontram as melhores praias. Para lá de Saline-les-Bains, também Boucan Canon, Roches Noires, l’Hermitage, L’Etang-Salé, Saint-Leu e Saint Pierre.
Einstein nasceu em Ulm, na Alemanha, em 1879, mas ainda adolescente transferiu-se para a Suíça, fixando-se em Zurique. Em 1896 renunciou à cidadania alemã, ao que dizem, para fugir à tropa e em 1901 conseguiu a nacionalidade suíça. Einstein ambicionava ser professor do Politécnico de Zurique, mas a relação com os professores, o mau desempenho nas aulas laboratoriais e, sobretudo, as faltas às aulas fizeram-no desistir do curso. Para sobreviver, passou a dar aulas em casas particulares e também, pontualmente, em algumas escolas de Winterthur e Schaffhausen.
A situação de Einstein era difícil, mas um amigo, Grossmann, pediu ao pai que recomendasse Einstein ao diretor da Agência Federal de Patentes, em Berna, Friedrich Haller. Einstein mudou-se para Berna em janeiro de 1902 e conseguiu o emprego em junho do mesmo ano. O salário anual que auferia era de 3.500 francos, o que, juntamente com os ganhos das aulas privadas, lhe permitiu finalmente viver sem sobressaltos.
Logo da Einstein Haus à porta do nº 49 da Kramgasse.
Desde a sua chegada a Berna, Einstein mudou seis vezes de casa, acabando por se fixar (por dois anos) com a mulher, Mileva, e posteriormente também com o segundo filho de ambos, Hans Albert1, no 2º andar da Kramgasse, 49. Einstein viveu neste apartamento de 1903 a 1905 – o ano em que surpreendeu a comunidade científica ao publicar, nos Annalen der Physic, quatro importantes artigos.
Os temas dos quatro artigos eram o efeito fotoelétrico2, o movimento browniano, a teoria da relatividade restrita, e a equivalência entre massa e energia. Estes trabalhos pioneiros que se mantêm ainda hoje marcos incontornáveis no que diz respeito à compreensão física da natureza, proporcionaram de imediato a Einstein o reconhecimento dos mais proeminentes físicos do seu tempo.
O segundo andar. À entrada do apartamento.
Ainda hoje se considera espantoso que Einstein tenha produzido tanto em tão pouco tempo, na verdade em cerca de quatro meses, pois os artigos de 1905 foram todos publicados entre março e junho desse Annus Mirabilis.
(Há quem diga que o afastamento da vida académica foi benéfico para Einstein, pois assim ele pôde pensar livremente e dar asas à sua incrível intuição).
Em 14 de setembro de 2015, as Sociedade de Física Europeia e Sociedade de Física Americana, representados pelos respetivos presidentes, reconheceram o local onde Einstein morou na Kramgasse, 49, a EinsteinHaus, como o primeiro Sítio Histórico de ambas as sociedades.3 Na cerimónia, que contou também, entre outros dignitários, com a presença do Dr. Hans-Rudolf Ott, presidente da Albert Einstein Society, proprietária do museu, foi afixada, no 3º andar, uma placa comemorativa.
A sala de estar do pequeno apartamento onde Einstein viveu entre 1903 e 1905.
Nós tivemos o privilégio de visitar, em setembro de 2021, esta casa onde Einstein viveu. A Einstein Haus4, renovada em 2005, cem anos depois do Annus Mirabilis, e decorada ao estilo da época, é constituída pelo apartamento do 2º andar, onde Einstein morou, e pelo 3º andar, onde encontramos uma exposição dedicada às vida e obra deste célebre cientista. A entrada custa 5 CHF e a Einstein Haus está aberta ao público todos os dias da semana, entre as 11 e as 16 horas.
Depois de mais alguns anos em Berna, Einstein regressaria a Zurique e posteriormente à Alemanha, onde ocupou o cargo de Presidente da Sociedade Alemã de Física. Foi neste período que publicou (em 1916), no mesmo periódico de Berlim (Annalen der Physic), a sua teoria da relatividade geral. As descobertas de Einstein, juntamente com a mecânica quântica, constituem hoje a base de toda a Física.
Einstein subverteu para sempre os conceitos, estabelecidos até então, de espaço, tempo, massa e energia, e, graças a ele, a humanidade deu um salto enorme na compreensão do Universo, de que é parte integrante.
Em confronto com o nazismo, Einstein fugiu para os Estados Unidos, onde viveu os seus últimos vinte anos, falecendo na cidade de Princeton em 1955.
Placa conjunta da APS e da EPS no 3º andar da Einstein Haus.
1Sabe-se que Albert e Mileva tiveram uma filha antes, mas o destino desta permanece obscuro. Ao que parece, Einstein, que não queria que se soubesse que tinha uma filha antes de casar-se, mandou Mileva grávida para a Sérvia. De acordo com Malcolm Otero e Santi Giménez, “apesar de mãe e filha terem estado prestes a morrer, Einstein nunca foi vê-las. O que se passou com a menina é um mistério. Alguns biógrafos dizem que morreu muito pequena, outros que foi dada em adoção e outros que viveu até há pouco, em Novi Sad, sob o nome de Zorka Kaufler.” (Malcolm Otero e Santi Giménez, El Club de Los Execrables, Penguin Random House, Barcelona, 2018, p. 146).
2Por este artigo, em especial, Einstein ganhou o Prémio Nobel da Física de 1921.
No “Estúdio”, o espaço dedicado à vida profissional e artística de Charlie Chaplin.
Depois de fugir dos Estados Unidos e do macarthismo, escondido durante horas numa suite do Queen Elisabeth, Charles Chaplin abandonou definitivamente a América, rumo à Europa, no dia 19 de setembro de 1952.
Aconselhado pelo seu meio-irmão Sidney, acabaria por se radicar na Suíça, em Corsier-sur-Vevey, numa mansão que o anterior proprietário denominou Manoir du Ban. Foi aí que viveu os seus últimos 25 anos, falecendo, ao que parece tranquilamente, durante o sono, no dia 25 de dezembro de 1977.
O jardim e a mansão onde Chaplin viveu durante a maior parte dos seus últimos vinte e cinco anos. Aqui cresceram 8 dos seus 11 filhos.
Depois da morte da mulher de Chaplin, Oona, em 1991, os filhos cederam a propriedade à Charlie Chaplin Museum Foundation que, em 2000, iniciou o projeto de construção, no local, do Chaplin’s World, um museu que nasceria apenas em abril de 2016.
Constituído por vários edifícios temáticos, além da mansão, este imenso espaço museológico comporta também um jardim, onde Charlie gostava de passar grande parte do tempo, quando estava em Corsier, um parque de estacionamento para centenas de carros, uma área de restauração e uma loja de souvenirs.
Todo o espaço museológico é interativo e extremamente interessante.
O ingresso custa 27CHF, mas pode ser comprado com antecedência, pela internet, por 19CHF. Quem for de carro terá de desembolsar ainda 5 CHF para o estacionamento. Apesar de não ser barato, vale cada minuto e cada cêntimo.
Quem quiser pode também visitar as campas de Chaplin e Oona, que se encontram, lado-a-lado, no cemitério de Corsier-sur-Vevey.
Desde o dia 12 deste mês (set. de 2021), as pessoas acima dos 12 anos precisam de um certificado de vacinação contra a Covid-19 para acederem ao Chaplin’s World.
Charlie dá-nos as boas-vindas à entrada da mansão, o espaço dedicado à sua vida pessoal e familiar.
Sobre a sua estadia em Corsier-sur-Vevey, escreveu o próprio Chaplin:
For the last twenty years I have known what happiness means. I have the good fortune to be married to a wonderful wife. I wish I could write more about this, but it involves love, and perfect love is the most beautiful of all frustrations because it is more than one can express. As I live with Oona, the depht and beauty of her character are a continual revelation to me. Even as she walks ahead of me along the narrow sidewalks of Vevey with simple dignity, her neat little figure straight, her dark hair smoothed back showing a few silver threads, a sudden wave of love and admiration come over me for all that she is – and a lump comes into my throat.
With such happiness, I sometimes sit out on our terrace at sunset and look over a vast green lawn to the lake in the distance, and beyond the laketo the reassuring mountains, and in this mood think of nothing but enjoy their magnificent serenity.1
Os jornais da época deram grande destaque à vinda da família Chaplin para a Suíça.
A magnífica praia de Le Morne, no sudoeste da Maurícia, provavelmente a mais famosa do país.
Embora fossem já conhecidas dos marinheiros árabes e malaios no século X, as ilhas desabitadas das Maurícias só seriam conhecidas na Europa centenas de anos depois, no século XVI, graças aos portugueses. No século XVII foram colonizadas pelos holandeses, que lhes deram o nome que persistiu até hoje, em homenagem a Maurício de Nassau. Por sua vez, os franceses assumiram o controlo das Maurícias em 1715, transformando a ilha principal numa importante base naval, de onde controlavam o comércio no Índico. Foram os franceses que desenvolveram na Maurícia a cultura da cana-de açúcar. Em 1810, durante as guerras napoleónicas, os ingleses apoderaram-se da ilha, que permaneceu uma base naval relevante, servindo, durante a Segunda Guerra Mundial, como base aérea de onde os britânicos controlavam as movimentações marítimas dos alemães naquela zona do globo.
A independência das Maurícias foi alcançada em 1968. O país é, desde aí, uma democracia livre e aberta. Nos últimos anos conseguiu atrair forte investimento estrangeiro e tornou-se um dos países africanos com maior rendimento per capita.
A República das Maurícias é constituída por quatro ilhas – Maurícia, Agalega, São Brandão e Rodrigues – e reivindica a soberania sobre a pequena ilha de Tromelin, considerada pela França parte do departamento francês da Ilha de Reunião, e sobre o arquipélago de Chagos, que integra, ilegalmente, o Território Britânico do Oceano Índico1. Todas estas ilhas fazem parte das chamadas Ilhas Mascarenhas2, que se estendem até 1.200 quilómetros para leste de Madagáscar.
A Maurícia possui um planalto central de onde se avistam as montanhas junto à costa. O ponto mais alto da ilha fica no Monte Piton, 828 metros acima do nível do mar.
A ilha Maurícia, a única que visitámos, é de origem vulcânica e está quase na sua totalidade rodeada por recifes de coral. No século XVII ainda aqui vivia o dodó, uma ave endémica da família dos pombos (mas muito maior), extinta pela caça indiscriminada. O dodó é símbolo nacional, a par da trochetiaboutoniana, uma flor igualmente endémica. Hoje, a Maurícia é um dos locais mais densamente povoados da Terra, com quase um milhão e meio de habitantes, dois terços dos quais de origem indiana.
Durante muitos anos a cana-de-açúcar constituiu a principal produção e indústria da ilha, suportada por mão-de-obra escrava, proveniente de Madagáscar, Moçambique e outros pontos da costa leste africana. A escravatura foi abolida pelos britânicos em 1835 e a mão-de-obra escrava foi substituída por imigrantes indianos, contratados para trabalharem nas plantações. Estes foram os principais povoadores da ilha e assim se justifica que, hoje, a população da Maurícia seja constituída, sobretudo, pelos seus descendentes.
Flic en Flac, a meia-hora de carro da capital, Port Louis, é a praia mais frequentada pelos mauricianos.
Atualmente a economia das Maurícias continua a depender, numa fatia importante, da cana-de-açúcar, que ocupa 90% da área cultivada3. Mas as atividades económicas estão agora muito mais diversificadas. O turismo, claro, está à cabeça. Mas também têxteis, vestuário, serviços financeiros, indústrias ligadas à pesca e tecnologias da informação e comunicação. O governo mauriciano aposta claramente na economia de mercado, tendo definido cinco tipos de prioridades: usar as Maurícias como porta de entrada dos investimentos estrangeiros em África; aumentar o uso de energias renováveis; desenvolver cidades inteligentes; apostar na economia oceânica; e melhorar as infraestruturas, sobretudo os transportes públicos, o porto e o aeroporto4.
A primeira coisa que fizemos quando chegámos a Port Louis, a capital das Maurícias, depois de uma volta pelo centro da cidade, foi levantarmos o carro que previamente havíamos reservado. Só depois rumámos a sul, em direção a Flic en Flac, uma zona balnear muito frequentada pelos mauricianos, a apenas 25 quilómetros da capital. A praia é tipicamente tropical, com água morna, muitas árvores ao longo do areal, entre as quais as famílias “picnicam” e convivem aos fins de semana, vendedores ambulantes, comércio e muita gente. Quando ali estivemos iniciava-se a época das chuvas, que vai de novembro a maio, ou seja, o período do verão. O resto do ano – o inverno – é menos quente e chuvoso, pelo que é talvez a época do ano que mais agrada aos turistas externos, aqueles que vêm às Maurícias para fazer praia.
As cores destas dunas resultam da transformação da lava basáltica em minerais de argila, num processo que decorreu ao longo de milhões de anos.
Depois de um mergulho na praia de Flic en Flac, continuámos para sul, infletindo um pouco para o interior, em direção ao Chamarel Seven Colored Earth Geopark, um parque natural com plantas exóticas e endémicas, uma cascata com cerca de 100 metros de altura, e uma zona em que se pode observar o fenómeno natural que dá nome ao parque – areias resultantes da erosão das rochas vulcânicas que, através de um processo complexo, ainda parcialmente desconhecido, formam faixas ondulantes de cores diversas.
Já ao fim da tarde, continuámos a nossa viagem para sul, até avistarmos a paisagem cultural Le Morne – uma zona constituída por uma montanha rugosa (onde, em tempos, os escravos africanos se refugiaram) e uma belíssima praia – Património Mundial da UNESCO desde 2008. Tomar um banho ao pôr-do-sol em Le Morne é uma experiência que faz parte dos roteiros mais afamados das Maurícias. E vale muito a pena. A água do mar tem uma temperatura muito idêntica à temperatura do ar, pelo que os banhos na praia de Le Morne podem ser bastante demorados; é fácil esquecermo-nos do tempo e ficarmos no mar para lá dos últimos raios de luz, envolvidos pelos tons quentes do céu.
Era noite quando entrámos no carro para fazermos o percurso de volta até Port Louis. Embora aqui, tal como nas Seychelles, se circule pela esquerda, as estradas são um pouco mais largas, o que facilita a vida a muitos condutores estrangeiros.
Depois de um banho de mar ao pôr-do-sol, selámos a nossa passagem por Le Morne com um beijo.
No dia seguinte, manhã cedo, fomos visitar o Grand Bassin (também conhecido como Ganga Talao5), um lago natural numa cratera de um vulcão extinto, de beleza cativante. Conta a lenda que esta água provém do rio Ganges, o mítico rio indiano. Muitos peregrinos mergulham no lago, durante o festival anual de Shivratri 6, quando metade dos hindus da ilha se deslocam, a pé, até este local sagrado. Aqui existem vários templos e estátuas, que expõem a exuberância de símbolos e cores, típica da religião hindu. O templo mais importante em Ganga Talao é o de Lingam, dedicado ao Senhor Shiva, que atrai, anualmente, um grande número de peregrinos.
Depois da visita ao Grand Bassin retomámos a estrada B102, rumo à costa sul da ilha. Do lado esquerdo da estrada fica o Parque Natural do Vale das Cores,7 e, do lado direito, a maior reserva natural das Maurícias, o Parque Nacional Black River Gorges.
Este parque, habitado por uma densa floresta tropical estende-se por cerca de seis mil hectares, albergando mais de 300 espécies de plantas com flores nativas e várias espécies de aves endémicas, algumas ameaçadas de extinção. Um dos animais mais curiosos deste parque é a “raposa voadora das Maurícias”, um morcego frugívero8 de grande envergadura.
Grand Bassin é o maior centro de peregrinação hindu fora da Índia.
Finalmente, chegámos à Rochester Falls, a apenas 2,5 quilómetros da cidade costeira de Souillac. Trata-se de uma cascata não muito alta, mas bonita, com várias rochas retangulares, esculpidas pelas águas, ao longo de milhares de anos. Para alcançá-la, temos de percorrer de carro, uma estrada estreita de terra batida, subindo, e, depois de uma pequena clareira onde se pode deixar o carro (se não houver muita gente), descendo, a pé, até a cascata. Há quem tome aqui banho, mas nós não o fizemos. O ambiente é fresco e relaxante, com as gotículas de água trazidas pelo vento afagando-nos o rosto.
Na volta, viemos diretamente para Port Louis, para a última tarde na cidade, depois da entrega do carro na agência de aluguer.
Percorrer as ruas da capital das Maurícias a pé, debaixo do sol inclemente, requer um esforço físico, do qual, para sermos sinceros, não se é totalmente recompensado. De facto, do ponto de vista arquitetónico e paisagístico, a cidade é relativamente pobre.
A Rochester Falls serviu de cenário para vários filmes de Bollywood.
Para lá dos poucos edifícios interessantes – alguns da era colonial e outros de caráter religioso (como mesquitas, pagodes, igrejas e templos) – o principal atrativo em Port Louis é o contacto com as pessoas, nas ruas e, sobretudo, nos mercados. Um ou outro grafite chama também a atenção, entre as muitas dezenas que se podem observar9.
O Mercado Central é um mundo de cheiros, sons, texturas, cores e sabores, onde encontramos produtos alimentares frescos (carne, peixe, marisco, vegetais, frutas e especiarias) petiscos locais para consumir na hora e produtos artesanais variados, sempre passíveis de serem regateados. Mesmo durante a semana este exuberante mercado está quase sempre cheio, porque os habitantes locais que trabalham nas redondezas aproveitam para aqui tomarem um lanche barato.
Os lanches mais típicos são a alouda de amêndoa, uma bebida à base de leite com tapioca, o dholl puri, uma panqueca de farinha de ervilha, e a farata, outra panqueca, mas, deste feita, de farinha de trigo. Provar um petisco no mercado central – nada melhor para concluir uma viagem à bela, tolerante e surpreendente Maurícia.
ATisane Mootoosamy é uma das lojas mais antigas, famosas e populares do Mercado Central de Port Louis e mesmo de toda a Maurícia. Jay Mootoosamy, o atual proprietário, dá continuidade ao negócio iniciado, em 1900, pelo seu tetravô.
2Assim chamadas em homenagem ao navegador e vice-rei da Índia Pedro Mascarenhas que as avistou quando comandava uma armada portuguesa em trânsito entre Portugal e a Índia. Por seu turno, a ilha de Rodrigues é assim chamada por ter sido descoberta em 1528 pelo piloto português Diogo Rodrigues.
3Embora represente apenas entre 3% a 4% do PIB nacional.
