Começámos por ouvir Zappa num gira-discos mono. O nosso amigo Nana tinha a chave do escritório em que trabalhava e nós (três ou quatro) íamos para lá, noites consecutivas, ouvir os LPs de Zappa. Quando terminava o lado A, virávamos o disco para o lado B — e ouvíamos em silêncio, com a luz desligada, sentados no chão de soalho.
Estávamos em pleno processo revolucionário, e se me dissessem, naquela altura, que meio século depois estaria a assistir a vídeos (nem sei se esta palavra existia então) dessas mesmas músicas num computador, provavelmente não acreditaria.
Zappa viveu apenas 52 anos (morreu a poucos dias de completar 53), mas produziu mais de 60 álbuns e deixou uma cave cheia de música e filmes, de onde se continua a extrair material para mais álbuns e vídeos.
Para nós, que apreciamos a música de Frank desde há mais de 50 anos, é reconfortante ver o número de músicos, bandas e orquestras que reinterpretam as suas obras, e a quantidade impressionante de biografias, documentários e material inédito saído da cave, que vão sendo publicados a cada ano que passa.
É o caso deste vídeo, lançado em 2025 por Ahmet Zappa, filho de Frank, atual administrador do Zappa Family Trust. Nele surge a melhor formação zappiana de sempre, com Ruth Underwood na percussão e George Duke nas teclas — dois músicos com formação clássica, que Zappa recrutou e que se mantiveram com ele durante o período de ouro (70-75) — para deleite dos fãs e de todos os que tenham conexão desimpedida entre ouvidos, cérebro e coração.
Porque os espetáculos de música clássica, sobretudo os que incluem grandes orquestras — como sinfonias e óperas — são, dentro da música ao vivo, os mais belos? Porque a grande música é em si mesma bela, mas também porque as grandes orquestras mundiais são constituídas por músicos extraordinários e dirigidas por maestros fabulosos; e, finalmente, porque os espaços onde estes espetáculos geralmente ocorrem são igualmente muito belos — teatros que são verdadeiras obras de arte, como os icónicos Teatro Alla Scala, em Milão, a Ópera Nacional de Paris, a Ópera Estatal de Viena, a Royal Opera House, em Londres, a Opera House, em Sydney, e tantos, tantos outros, incluindo o Teatro de S. Carlos, em Lisboa, e o Teatro da Paz, em Belém do Pará.
Ao contrário da música eletrificada, que muitas vezes se ouve melhor em casa do que ao vivo, a música sinfónica e operática, dada a vastíssima amplitude instrumental e sonora, ouve-se muito melhor ao vivo, sendo difícil de reproduzir, na plenitude, mesmo no mais avançado equipamento de som viabilizado pela moderna tecnologia.
Já assistimos a muitos espetáculos de música sinfónica (mais) e óperas (menos) ao vivo. Mas os auditórios e teatros onde se realizam estes espetáculos são pequenos para albergarem tantos amantes deste tipo de música. Por isso, é normal ouvir-se música clássica em casa. E há também algumas vantagens nas gravações que podem ser reproduzidas nas nossas habitações, em disco ou em vídeo. Neste último caso, há a vantagem de observarmos pormenores que não seria possível vislumbrar in loco: grandes planos do maestro, de elementos da orquestra e certos detalhes das salas revelam-nos particularidades fascinantes que não conseguiríamos descortinar nas salas de espetáculo.
Há realizações verdadeiramente fabulosas sobre obras da grande música, algumas levadas a cabo por mestres do cinema que se especializaram neste género de realização, como é o caso paradigmático de Franco Zeffirelli, um conceituado cineasta italiano, que adaptou, para o grande ecrã, óperas, peças de teatro e romances literários.1
Lembrámo-nos disto porque assistimos hoje, no canal Mezzo, à Sinfonia nº 6 de Tchaikovsky, conhecida por Patética, interpretada pela Filarmónica della Scala, em Granada, há dois anos. O maestro é o carismático italiano Riccardo Chailly, que já tivemos a felicidade de ver ao vivo. Tal como dissemos atrás, as filmagens destes espetáculos permitem-nos observar pormenores deliciosos, impossíveis de detetar ao vivo. Chailly é um dos grandes maestros da história da música e a sua expressão corporal e, sobretudo, facial, as suas vitalidade, exuberância e envolvência com a música e a orquestra, são atributos irressistíveis para muitos melómanos, comparáveis na atualidade, apenas, talvez, aos patenteados por Gustavo Dudamel — atributos que só os grandes planos de câmeras estrategicamente colocadas podem sobrelevar.
Quanto a esta obra de Tchaikovsky, é consensual que se trata de uma das mais importantes sinfonias jamais escritas, estreada em 28 de outubro de 1893, poucos dias antes da morte do compositor, que ocorreria em 6 de novembro desse mesmo ano. O termo patétique, foi sugerido pelo irmão de Tchaikovsky, Modest, sendo que o vocábulo que este usou em russo se aproxima mais de paixão e não tanto de patética.
Há quem veja nesta obra uma mensagem de despedida, especialmente pelo seu Finale: Adagio lamentoso, que constitui o quarto e último andamento. Isso sente-se indubitavelmente ao escutar a composição que realmente não termina em apoteose, como costuma acontecer nas demais sinfonias, mas antes decai, definha, extingue-se, como acontece com a própria morte. A Patética — a cuja interpretação já assistimos uma vez ao vivo — é, sem dúvida, uma obra extraordinária, simultaneamente, triste e bela.
Deixamos um excerto desse concerto de Granada, realizado em junho de 2023, no Palácio Carlos V, com Riccardo Chailly dirigindo a Orquestra do Teatro alla Scala.
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Notas:
1 Alguns dos filmes mais conhecidos de Zeffirelli são Romeu e Julieta (1968), Jesus de Nazaré (1977), O Campeão (1979) e Chá com Mussolini (1999).
Morreu Mário Vargas Llosa, um escritor com uma clara faceta política, à semelhança de alguns colegas de profissão, seus contemporâneos, como García Márquez ou José Saramago. Não lemos muitos livros de Llosa (a lista pode ser consultada aqui), mas os que lemos são suficientes para percebermos que em todos eles, de ficção ou não-ficção, há uma defesa intransigente da liberdade. É isso que o distingue, por exemplo, de José Saramago, escritor que, do ponto de vista político, está nos antípodas de Llosa.
Estivemos há poucos meses na casa-museu José Saramago, em Lanzarote, e foi bastante interessante a visita (relatada aqui), inclusive por termos ficado a saber que, já perto do final da sua existência, Saramago recebeu, naquela bela moradia, Vargas Llosa. Não sabemos sobre o que conversaram. Mas sabemos que ambos os autores, sobretudo após receberem os respetivos prémios Nobel, percorreram o mundo dando entrevistas e conferências. Essas intervenções tinham um forte pendor político, e, sobretudo através delas, ambos se consolidaram como famosos ativistas políticos.
Dado que José Saramago era um típico pensador comunista, há uma tendência, nos seus apoiantes, de empurrar Llosa para a direita (ou mesmo para a extrema-direita), mas a verdade é que Vargas Llosa era um liberal clássico, inspirado em autores como Karl Popper, Isaiah Berlin ou Raymond Aron, amiudamente citados nas suas intervenções (por exemplo, aqui). Como temos dito, a liberdade não é de esquerda nem de direita — é a condição para que existam todas as gradações de direita e esquerda, inclusive aquelas que ameaçam a própria liberdade.
Liberdade nas suas mais variadas facetas: liberdade de expressão, liberdade de comércio, liberdade económica, liberdade de associação, reunião e manifestação, liberdade contratual, liberdade religiosa e, sobretudo, liberdade individual — a liberdade de cada um fazer da sua vida aquilo que lhe aprouver. É isto que é o liberalismo clássico, defendido por Mario Vargas Llosa: a emancipação do indivíduo relativamente a todas as formas de abuso do poder.
O Mar Mediterrâneo é o maior mar interior do planeta, e une três continentes: Europa, África e Ásia. A sua superfície líquida abrange uma área de 3 milhões de quilómetros quadrados, onde pululam cerca de 2000 ilhas, dentro de um perímetro costeiro de 47000 quilómetros. A influência do clima mediterrânico estende-se por 25 países, onde habitam quase 500 milhões de pessoas. Como seria de esperar, o clima influencia, através das matérias primas locais e da proximidade dos povos, uma cultura comum nesta importante região, berço das primeiras civilizações humanas e da cultura ocidental, que estão aquém das divergências políticas e religiosas. Como é evidente, uma das componentes dessa cultura é a dieta, e a mediterrânica é justamente considerada uma das melhores do mundo.
Além dos Cara de Espelho (na foto), atuaram, no palco da Lota, Júlio Pereira, Brigada Vítor Jara e José Manuel David.
Assim, a Dieta Mediterrânica foi declarada Património Imaterial da Humanidade pela UNESCO, em 2013, na capital do Azerbaijão, Baku. Tavira foi a cidade representante de Portugal. E foi precisamente em Tavira que, ainda nesse ano, se realizou a primeira Feira da Dieta Mediterrânica. Desde aí, esta feira realiza-se anualmente durante quatro dias, no primeiro fim de semana de setembro, de quinta a domingo, sendo que, no presente ano, a X Feira da Dieta Mediterrânica ocorreu entre os dias 5 e 8 de setembro.
Na foto, o berbere Kel Assouf, líder do grupo marroquino Tarwa N-Tiniri. Para além destes, atuaram no palco do Castelo os andaluzes Duquenque, os italianos Kalàscima e os macedónios Kocani Orkestar.
Foram quatro dias intensos, como foram todos os dias dos certames anteriores, com uma considerável diversidade de expositores (incluindo bancas e tendas de comida), mostras, atividades desportivas, demonstrações gastronómicas com degustação, bailes tradicionais, oficinas e ateliês, atividades infantis, visitas a locais de interesse e, claro, espetáculos musicais — com destaque para os palcos da Lota, do Castelo e da Praça da República. Ao longo destes onze anos (a feira não se realizou em 2020 devido à pandemia da covid-19), temos assistido a atuações de agrupamentos de vários países mediterrânicos, algumas delas de excelente qualidade.
Fernando Daniel fechou a feira com um concerto que deliciou os muitos adolescentes presentes na Praça da República. Nos dias anteriores atuaram, no mesmo palco, Rui Veloso, Amália Hoje e Sara Correia.
A Feira da Dieta Mediterrânica é já o maior evento de Tavira, e atrai à cidade, todos os anos no final do verão, milhares de visitantes que em muito contribuem para animar a mais bela urbe algarvia.
Vi-o e ouvi-o várias vezes ao vivo, a primeira das quais no início dos anos 80, na Amadora, e a última no CCB, em outubro de 2018, quando já se lhe notava alguma debilidade. Em 1982, assisti, na companhia do meu querido amigo Branquinho, à peça “Fernão Mentes?”, encenada por Hélder Costa e interpretada pela companhia de teatro “A Barraca”, a qual incluía várias canções do então futuro álbum “Por Este Rio Acima”, baseado, tal como a peça, na obra de Fernão Mendes Pinto, “Peregrinação”.
Nesses anos 70 e 80, eu e alguns amigos muitas vezes cantámos as músicas de Fausto em autocarros, barcos, comboios, nas nossas viagens de fim de semana, divertindo uns e incomodando outros, fazendo jus à nossa juventude irreverente, quando a viola era uma arma que podia ferir tímpanos, mas não matava ninguém. Por todos esses anos e pelos que se seguiram continuei a ouvir Fausto. A canção “O Barco Vai de Saída” foi adotada como uma espécie de hino de Alfama, que cantávamos com vigor e calor sempre que a oportunidade surgia, geralmente em jantaradas no interior do bairro, mas também fora dele.
As letras de Fausto são fabulosas — um facto nem sempre notado. As composições, por seu turno, têm a sua marca indelével: ritmos bem sincopados, com notórias influências da música tradicional portuguesa, um extenso leque de instrumentos de percussão do folclore tradicional, arranjos requintados, interpretações rigorosas, técnica apurada e um timbre de voz único.
Sói dizer-se que os grandes artistas não morrem, mas Fausto Bordalo Dias morreu hoje, aos 75 anos. Vivos continuam os que podem apreciar as suas letras, a sua música e o seu génio.
Victorino d’Almeida percorre o país a dar pequenos espetáculos em dimensão, enormes em conteúdo. Estamos a falar de um génio, felizmente ativo e disponível para nos deslumbrar, ainda, aos 83 anos. Gostávamos de o ver mais vezes, mas os que dirigem os grandes meios de comunicação social deste país não o merecem.
Compositor, maestro, pianista, escritor, realizador, autor e apresentador de programas televisivos e radiofónicos, comunicador fascinante, António Victorino d’Almeida completa hoje 83 anos.
Quem souber que ele vai estar por perto vá ao seu encontro, e não perderá o seu tempo ao escutá-lo. É daqueles seres que irradia cultura, ou seja, riqueza verdadeira. Seja qual for o lugar ou a ocasião.
O Fado do Campo Grande que aqui deixamos foi composto por Victorino d’Almeida, tem letra de Ary dos Santos, e foi cantado originalmente por Carlos do Carmo, em casa deste, onde os três se encontravam. Um trio etilista porque, ao que parece, estavam todos bêbados. Depois de criarem o fado saíram e sentaram-se no lancil da Avenida da República, onde um homem os viu, parou o carro e os conduziu, um por um, a casa. Provavelmente nunca mais viram esse senhor e, mesmo que vissem, claro, não o reconheceriam.
Depois de mais de dez anos de reformulação, abriu finalmente ao público o Munch, um dos maiores museus do mundo dedicados a um único pintor.
Bem no centro de Oslo, a dez minutos a pé da Estação Central, encontramos, muito perto da Casa da Ópera de Oslo, talvez o mais moderno, arrojado, icónico e, também, controverso1 edifício da capital norueguesa — o museu MUNCH. Uma manhã inteira (ou uma tarde) não é de mais para uma visita a este magnífico museu de doze andares (incluindo um restaurante no terraço), onde além da exposição permanente das obras de Edvard Munch, é possível apreciar trabalhos de outros pintores, como Van Gogh, Salvador Dali, Auguste Rodin ou Pablo Picasso. Pelo menos foi o que aconteceu quando ali estivemos, em abril de 2022. Este espaço museológico é enorme, por isso não surpreende que, apesar de ser dedicado a um único artista, os seus responsáveis possam organizar, em paralelo, exposições com obras vindas do exterior.
Edvard Munch foi extremamente produtivo. Ele manteve a sua atividade artística durante mais de seis décadas — desde os anos oitenta do século dezanove até ao ano da sua morte, em 1944 — e é considerado um dos autores mais importantes do modernismo. No início do seu percurso artístico, destacou-se como membro integrante do simbolismo2 e tornar-se-ia um pioneiro da arte expressionista a partir do início do século XX. A incansável persistência na experimentação de diferentes motivos e técnicas garantiu-lhe um lugar de destaque na História da Arte norueguesa, e também mundial.
Cavalo Galopante (1910-1912), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Essa característica experimental da obra de Munch não permite que encaixemos o seu trabalho num único movimento ou estilo. Mais conhecido como simbolista e, sobretudo, expressionista, ele fez também incursões pelo universo surrealista3. Em 1930, sofreu um acidente que lhe provocou uma lesão ocular, ficando temporariamente cego de uma vista. Durante esse período, Munch produziu vários trabalhos simbólicos e abstratos, derivados das visões que o ferimento lhe tinha provocado na retina. Estes trabalhos podem ser enquadrados na ideia então contemporânea de “olho interno”, algo que o próprio Munch definiu da seguinte forma: “A natureza não é apenas aquilo que é visível pelo olho, é também o que é reproduzido pelas imagens internas da alma — imagens da parte de trás do olho”. Em 1944, o biógrafo de Munch, Rolf Stenersen, sustentou que as obras produzidas por Edvard, quando estava parcialmente cego, poderiam ser interpretadas como representações do inconsciente. Stenersen defendeu que esses trabalhos eram surrealistas, pois resultavam de impulsos do inconsciente.
O Assassino (1910), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Edvard Munch viveu em vários lugares, mas a maior parte do tempo na Noruega natal, num raio de poucos quilómetros em torno da capital, Oslo, onde também viveu e se formou, na Escola de Artes e Ofícios. Tendo nascido em Löten (em 12 de dezembro de 1863), 120 quilómetros a norte de Oslo, Munch veio estudar para a capital, onde foi bastante influenciado pelo Kristiania Bohème, um círculo cultural de escritores e artistas, particularmente por um dos seus membros mais antigos, o pintor Christian Krohg, que incentivou e orientou o jovem Edvard Munch. A estética naturalista deste movimento foi rapidamente ultrapassada por Munch quando, aos 26 anos, fez uma viagem a Paris e passou a conhecer de perto o impressionismo francês, sobretudo através dos trabalhos de Paul Gaughin e Henri de Toulouse-Lautrec.
Apesar de ter vivido em Berlim (1892-95) e Paris (1896-97), os locais onde Munch mais pintou foram na sua Noruega natal. Ele passou vários verões em Åsgårdstrand, cerca de 100 quilómetros a sul de Oslo. O primeiro verão que passou em Åsgårdstrand foi em 1889, e, em 1897, Munch comprou uma pequena cabana de pescadores, à qual passou a referir-se como o seu “lugar feliz”. As linhas costeiras desta pequena e tranquila localidade logo atraíram a atenção de Munch e ainterpretação estilizada dessas margens, muitas vezes combinada com o luar, tornou-se um elemento recorrente do seu grande projeto existencial O Friso da Vida.
Em 1909, após um longo período de doença, Munch foi viver para Kragerø, na margem ocidental do fiorde de Oslo, onde alugou uma casa com vista para o mar. Foi nesta localidade que passou um dos períodos mais alegres e produtivos da sua vida artística.
O Sol (1910-1911) é um quadro gigante exposto no sexto andar do museu, que é consagrado às obras monumentais de Munch. Esta obra, produzida originalmente para os murais da Universidade de Oslo é especialmente importante porque é também um marco da aceitação tardia do trabalho de Munch na Noruega.
A natureza de Kragerø inspirou Munch a pintar o grande mural vitalista O Sol — o nascimento do astro-rei, símbolo mais puro da força da vida, retratado com pinceladas ousadas e vigorosas. Outros temas de Kragerø, que também aparecem na arte de Munch, são as ruas pitorescas, a alternância das estações, e cenas do dia-a-dia dos habitantes.
Em 1913, ainda dentro do Fiorde da Noruega, Munch subiu para Jeløya, nos arredores de Moss, onde morou durante três anos, até 1916. Os anos em Jeløya foram altamente produtivos e intensos, e Munch trabalhou avidamente com pinturas e xilogravuras coloridas. Uma das pinturas mais famosas de Munch, Trabalhadores a Caminho de Casa, foi produzida em Moss. Munch também representou, neste período, as belas paisagens culturais de Jeløya.
Mais tarde, já em Oslo, onde cresceu e se iniciou como jovem artista, Munch desenvolveu uma relação tensa com a cidade, tendo encontrado na capital os seus rivais mais ferozes e também os críticos mais severos da sua obra4.
Trabalhadores a Caminho de Casa (1915), óleo sobre tela, de Edvard Munch.
Mas os problemas de Munch já vinham de longe. Ele foi atormentado por doenças persistentes e também por uma infância difícil — com lutos e doenças mentais na família5 — as quais tiveram grande influência no seu trabalho artístico. Desde o ultrafamoso O Grito, até aos muitos milhares de esboços que produziu, a obra de Munch está repleta de emoções e traumas psicológicos. Várias versões de O Grito6 estão guardadas no MUNCH, incluindo desenhos, uma versão posterior pintada, e seis litografias.
O Grito é, sem dúvida, a obra mais famosa de Munch, um trabalho incrivelmente intemporal. Trata-se de uma narrativa aberta, em que o principal protagonista é estranhamente enigmático — não pertencendo a nenhuma classe, ou género, ou cultura, ou raça. O tema resulta de um passeio que Munch fez com amigos, num fim de tarde de 1891, quando o sol caía sobre o fiorde de Oslo. Todas as versões de O Grito são diferentes, mas igualmente poderosas. Há quem diga, provavelmente com razão, que O Grito manifesta a angústia do artista, provocada por decepções na sua vida pessoal, quer no que diz respeito ao amor, quer no que toca aos amigos. O quadro mostra-nos uma criatura enigmática em pânico — cuja forma pode sugerir, de algum modo, um feto, ou mesmo um espermatozoide (símbolos da extrema fragilidade da vida) — e cujos contornos se projetam no fundo avermelhado do horizonte; dois transeuntes seguem o seu caminho, indiferentes.
A célebre pintura O Grito (têmpera e óleo sobre cartão, provavelmente de 1910). Munch criou todas as versões desta obra em cartão ou papel, tornando-as mais frágeis do que seriam se tivessem sido produzidas em óleo sobre tela. É por isso que as três versões7 patentes na sala do museu dedicada a OGrito — uma pintura (na foto), um desenho a pastel (1893) e uma litografia (1895) — são apresentadas rotativamente, uma de cada vez, apenas por uma hora, sendo depois encerradas numa câmara escura até nova apresentação.8 Ou seja, há sempre uma das versões exposta, enquanto as outras duas permanecem no escuro.
É de notar que a estrada onde esses homens estão segue em linha reta para o infinito, o que torna ainda mais notória a distância que os separa do protagonista. Isto reforça a ideia de que a angústia e o desespero de uma pessoa pode ser completamente indiferente para outras. Embora o próprio Munch tenha escrito sobre a sua obra mais famosa9, O Grito continua, apesar de tudo, a ser um enigma, tanto no conteúdo como na forma. Não há uma interpretação única sobre a obra, antes inúmeras interpretações. Uma delas, verdadeiramente surpreendente, foi publicada em 2003, na revista Sky and Telescope por um grupo de professores de Física e Astronomia da Universidade Estadual do Texas, que se deslocaram até Oslo para perceberem onde teria sido o local exato onde Munch observara o tal céu vermelho-sangue. Depois de determinada a localização, os investigadores americanos concluíram que um céu semelhante ao descrito por Munch pode de facto ter sido observado naquela zona do globo, resultante da grande erupção do vulcão da ilha de Krakatoa, na Indonésia, em 1883 — uma das mais terríveis erupções vulcânicas registadas, que provocou o desaparecimento da ilha. Os investigadores concluíram assim que Munch estaria a olhar para sudoeste, exatamente o quadrante onde o clarão do Krakatoa apareceu, naquele inverno de 1883-1884. Isto parece vir ao encontro das próprias palavras de Munch (ver nota 9) quando este refere que sentiu um imenso grito infinito através da natureza.
Todas as versões de O Grito são diferentes. Mas todas são igualmente poderosas. Na foto, a litografia de 1895.
É, pois, impressionante como uma pequena obra pode dizer-nos tanto. E seja qual for a interpretação que tenhamos, nenhuma vai retirar o lugar que O Grito conquistou na História da Arte, um dos mais altos, senão o mais elevado, da corrente conhecida como Expressionismo.
Uma das características da arte de Munch é a atenção que dedica ao movimento, criando drama e intensidade nas suas obras: as linhas diagonais chamam a nossa atenção, puxando-nos, e provocando um movimento das figuras na nossa direção, gerando um confronto. Podemos reconhecer tais recursos desde os primeiros tempos da fotografia e do cinema — novos meios de imagem que ganharam destaque no tempo de Munch. Ele próprio experimentou a fotografia10e deslocava-se com certa frequência ao cinema, tendo além disso realizado pequenos filmes em torno de Oslo e no jardim da sua casa. Por isso se pensa que estas novas tecnologias influenciaram a sua arte. Porém, é preciso dizer que, com Munch, o movimento está sempre associado à emoção. Ele procura agarrar o espectador, imprimindo ao seu trabalho uma carga intensa e dramática. Munch pinta para criar a sensação de movimento dentro do próprio espectador.
A intensa produção de artes gráficas de Edvard Munch — gravuras, xilografias, litogravuras — começou em 1894. No MUNCH, os visitantes podem experimentar algumas técnicas utilizadas pelo pintor. Munch não tinha grande experiência gráfica, o que constituiu o principal motivo para a criação de técnicas inovadoras.
De acordo com Gray F. Watson, professor da Wimbledon School of Art, de Londres, Munch foi um líder na revolta contra os ditames naturalistas da pintura académica do século XIX e também foi além do naturalismo ainda inerente ao impressionismo. A sua concentração nos fundamentos emocionais levava-o por vezes a simplificações radicais da forma e a uma abordagem expressiva, em vez de descritiva, da cor. Estas tendências foram a dotadas por artistas mais jovens, nomeadamente os principais proponentes do expressionismo alemão. Talvez a sua influência formal mais direta na arte posterior possa ser vista na área da xilogravura. Mas o seu legado mais profundo para a arte moderna estava no seu propósito de abordar aspetos universais da experiência humana. Munch herdou o misticismo tradicional e a ansiedade da pintura do norte da Europa, que recriou numa arte altamente pessoal. O seu trabalho continua a expressar a situação tipicamente moderna do indivíduo diante da incerteza de um mundo contemporâneo em rápida mudança.11
A exposição patente no MUNCH está dividida em doze temas, que podem ser visitados pela ordem que se quiser — Só; Morrer; O Grito; Amor; Género; Outdoors; Nu; Outros; O Eu; Em Movimento; À Superfície; Variações.
Terminamos com uma frase retirada da exposição que tivemos a felicidade de visitar seis meses após a inauguração deste novo museu:
Não existe uma verdade única sobre Edvard Munch e o seu trabalho. A obra de Munch e a nossa compreensão da mesma podem ser consideradas infinitas.
No terraço do icónico e controverso edifício que acolhe e é, ele próprio, o museu MUNCH.
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Notas:
1A fase mais recente do projeto de renovação da zona ribeirinha de Oslo, que já dura há décadas, tem sido, de facto, controversa. O projeto do Munch, de autoria do renomado estúdio de arquitetos Herreros, com sede em Madrid, foi também criticado por alguns moradores nos meios de comunicação locais, sobretudo devido à forma “vertical” incomum e à fachada cinza do edifício.Os arquitetos disseram que se inspiraram, sobretudo, nas impressionantes torres do edifício da Câmara Municipal de Oslo.
2O termo “simbolismo” foi cunhado pela primeira vez pelo crítico francês Jean Moréas, em 1886, e rapidamente usado para caracterizar artistas e escritores que rejeitavam as representações realísticas do mundo exterior, em favor da exploração da vida interior da alma humana. O objetivo destes artistas era o de expressarem as ideias que estão por trás da realidade visível, ou, tal como o autor Knut Hamsun referiu em 1890, “mostrar a vida inconsciente da alma”. O movimento representava uma nova e radical compreensão do “eu”, que em vez de ser algo estável e constante, era visto como fluído e fragmentado. Na década de 1890, o simbolismo desenvolveu-se como um movimento cultural abrangente, que incluía Arthur Rimbaud, Paul Gauguin, Auguste Rodin, James Ensor, August Strindberg, Vincent Van Gogh e Edvard Munch.
3O surrealismo surgiu na ressaca da Primeira Guerra Mundial, após milhões de mortos e uma Europa em ruínas. Simultaneamente, Sigmund Freud e a psicanálise aportaram uma visão inovadora sobre a mente humana. Dedicando-se às questões do inconsciente — sonhos, desejos e impulsos inconscientes — os artistas, na opinião de André Breton, deveriam liderar o caminho para uma nova ordem mundial. Durante os anos 20 e 30 do século XX, Breton atraiu um vasto conjunto de escritores, artistas plásticos e realizadores cinematográficos, disposto a desafiar a moralidade, a tradição e a própria racionalidade. Entre estes estavam Max Ernst, Dora Maar, René Magritte, Leonora Carrington, Claude Cahun, Salvador Dalí e Luis Buñuel.
4Munch esteve várias vezes envolvido em polémicas com outros autores. Uma luta física com um pintor rival obrigou-o a ausentar-se da Noruega durante 4 anos. Vários dos seus quadros refletem estas disputas.
5A mãe e a irmã de Munch faleceram de tuberculose quando ele tinha, respetivamente, 5 e 14 anos.O pai e o irmão também morreram quando ele era jovem. A única irmã sobrevivente desenvolveu uma doença mental pouco depois.Munch foi várias vezes hospitalizado entre 1905 e 1909 por problemas de alcoolismo, depressão e comportamento suicida.
6Quando abordamos as obras de Munch, geralmente não falamos de uma imagem, mas de várias. Ao longo de toda a sua carreira artística, Munch regressa aos mesmos temas para abordá-los de uma nova forma. Ele produzia uma versão, depois outra, e depois outra ainda. Ao revisitar os temas, novas possibilidades se revelam. Por vezes eles capta-as com um simples desenho ou, ocasionalmente, com uma escultura. Apesar de Munch nem sempre estar contente com o resultado, ele preservava todas as tentativas. Para ele não havia uma forma certa ou errada de pintar, apenas formas novas de o fazer.
7Edvard Munch produziu quatro versões coloridas de “O Grito” — duas pinturas com têmpera e dois desenhos com pastel e lápis de cera. Dois deles permaneceram na sua posse e estão hoje na coleção do Museu MUNCH. Das duas versões restantes do famoso motivo, uma faz parte da coleção do Museu Nacional da Noruega e a outra é de propriedade privada (foi comprada em leilão pelo investidor e colecionador de arte norte-americano Leon Black, em 2012, por 119,9 milhões de dólares). Munch também criou uma litografia de “O Grito”. Não se sabe quantas litografias foram impressas, mas estima-se que existam cerca de 30 impressões. Seis destas — incluindo uma colorida à mão por Munch — estão hoje na coleção do Museu MUNCH.
8 Além do cuidado necessário com os fatores climáticos, como os níveis de temperatura, humidade e oxigénio, a exposição à luz tem de ser evitada. A luz afeta os pigmentos coloridos e danifica o papel e a cartolina ao longo do tempo.
9Em 1892, na Riviera francesa, mais propriamente em Nice, Munch escreveu um poema no seu diário, descrevendo uma caminhada com os seus amigos. Ele sentiu-se cativado pela visão das nuvens flamejantes e da cidade e da água azul-negras. Escreveu Munch: “Eu estava a andar por uma estrada com dois amigos quando o sol se pôs. Senti uma rajada de melancolia e de repente o céu ficou vermelho-sangue. Eu parei, encostei-me ao gradeamento, cansado de morte, enquanto os céus flamejantes pendiam sobre o fiorde azul e negro e sobre a cidade. Os meus amigos continuaram, eu permaneci ali a tremer de ansiedade e senti um imenso grito infinito através da natureza.” Nesse mesmo ano, Munch traduziu a experiência relatada no diário visualmente. Assim nascia “O Grito”.
10Foi um dos primeiros artistas a explorar o auto-retrato fotográfico, após ter comprado uma câmara Kodak, em 1902.
House on Fire, em Eswatini. Um espaço magnífico, quer na parte coberta, quer nas zonas ao ar livre.
Eswatini é um pequeno reino situado no sudeste africano, um enclave sem acesso ao mar, envolvido por dois países bastante maiores, Moçambique e África do Sul. O porto mais próximo, que permite ao país importar e exportar produtos por via marítima, é o de Maputo, na capital moçambicana. Eswatini chamava-se antes de 2018 Suazilândia, mas o rei Mswati III decidiu nesse ano alterar o nome do país, que queria dizer “terra dos zwazis”, os descendentes de povos que vieram do norte, em vagas sucessivas.
Desde que começaram a praticar a agricultura até hoje, passando pela autonomia (finais do século XIX) e a independência (1968) ambas concedidas pelos britânicos, esta foi sempre a principal atividade económica dos habitantes do atual Eswatini (se a ela juntarmos a criação de gado), embora se note uma crescente aposta em algumas pequenas indústrias, sobretudo na construção (obras públicas) e no turismo. Embora Eswatini e Moçambique sejam dois dos países mais pobres do planeta, nota-se um diferença considerável entre ambos, sendo Eswatini palpavelmente mais desenvolvido que Moçambique, embora este tenha condições naturais, geográficas e dimensionais para ser mais desenvolvido do que aquele.
Eventos diversos ocorrem no espaço aberto: festivais, concertos, casamentos, festas de aniversário, entre outros. O mais famoso é o MTN Bushfire Festival.
House on Fire é uma instalação que se enquadra numa tentativa de desenvolvimento do país, impulsionado pelo turismo, uma aposta dos responsáveis de Eswatini, embora seja uma iniciativa privada. Situada 20 kms a sudeste da capital, Mbabane, aqui se realizam eventos diversos, incluindo, anualmente, em finais de maio, o MTN Bushfire, um dos mais conceituados festivais de música africanos. (https://youtu.be/nYhCAy9xZUE).
Idealizado pelos irmãos, Jiggs Thorne e Sholto Thorne, a House of Fire foi construída numa exploração de cana-de-açúcar e inaugurada no ano 2000. As suas esculturas ao ar livre refletem influências da Owl House, em Neiu Bethesda (África do Sul), e do Rock Garden, em Chandigarh (Índia). Apesar das diferenças, fez-nos lembrar Casapueblo, de Carlos Páez Vilaró (nosso artigo aqui).
Pormenor de um ponto de iluminação no espaço interior da House on Fire. (Foto: Fla).
A primeira das construções — o teatro — foi projetada com a colaboração da arquiteta sul-africana Sarah Calburn, tendo as posteriores evoluído para um espaço multifuncional em constante evolução, onde artistas locais, com destaque para Noah Mduli, continuam a dar asas à criatividade.
A intenção é a de apresentar uma filosofia de “harmonia em contraste”, com ícones e símbolos de todo o mundo. Um exemplo, bem interessante, sobretudo para nós, é o de um pequeno mural, erguido no jardim, onde se pode observar, por cima de uma frase de Einstein, uma imagem de Fernando Pessoa.
Aldeia em Eswatini.
A prova de que a House on Fire não para, é o último grande evento organizado pela sua equipa: o Festival conhecido como Standard Bank Luju Food & Lifestyle Festival, iniciado em 2018, que dedica dois dias às comida, moda e música, apresentando os melhores chefes gastronómicos da região.
House on Fire, independentemente dos eventos que ali se realizam (http://www.house-on-fire.com), é um espetáculo por si só.
Paisagem do Eswatini profundo.
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Fontes:
Recordações de viagem realizada em finais de 2019.
A zona a norte da cidade, onde fica a praia, foi motivo de grande parte das obras dos Pintores de Skagen, várias das quais patentes no museu. Na foto podem ver-se um bunker usado pelos alemães na Segunda Guerra Mundial e, ao fundo, a língua de areia onde convergem o Mar Báltico e o Mar do Norte.
Skagen é uma pequena cidade situada no extremo norte da Dinamarca. Acima da cidade há uma praia que apresenta uma forma muito curiosa, pois na extremidade tem o que parece um espigão de areia que entra pelo mar dentro e separa, supostamente, o Mar do Norte do Mar Báltico. Dada a sua condição geográfica, não surpreende que as principais atividades estejam ligadas à pesca e ao turismo: Skagen é o principal porto de pesca da Dinamarca e o turismo atrai à cidade cerca de dois milhões de pessoas por ano. Aqui, neste pequeno burgo, está situado um importante museu.
Na viragem do século XIX para o século XX, a região de Skagen foi uma importante zona de veraneio para os próprios dinamarqueses, atraindo artistas de todas as áreas e inclusive a família real. O rei Cristiano X e sua mulher Alexandrina mandaram aí construir uma residência de Verão, onde recebiam os amigos, incluindo membros de outras monarquias europeias. Vários pintores dinamarqueses também descobriram os encantos deste local, ainda durante os últimos anos do século XIX, seduzidos pela vida ao ar livre e motivados pela pintura naturalista.
P.S. Kroyer, Fogueira de Verão na Praia de Skagen (1906). Museu de Skagen.
Alguns deles, oriundos da Real Academia Dinamarquesa de Belas Artes, em Copenhaga, estão entre os maiores pintores modernos da Dinamarca. No século XIX, aquela escola foi o local onde pintores masculinos estudavam e expunham os seus trabalhos. As mulheres não tinham acesso à academia, até 1908, e só em 1925 lhes foi permitido estudarem em conjunto com os homens. Em alternativa, podiam recorrer às escolas privadas de Copenhaga, ou ir para o estrangeiro, para aprenderem a desenhar com modelos vivos. Foi assim que desde os anos de 1880 muitas mulheres dinamarquesas intervieram em colónias artísticas de outros países, onde puderam trabalhar e participar nos debates sobre arte e cultura em pé de igualdade com os homens.
Michael Ancher, Anna, Helga e Michael Ancher no Pântano (1905). Museu de Skagen.
Mas já na década de 1870 fermentava uma rebelião entre os jovens artistas masculinos que se encontravam na fase final de graduação na Real Academia Dinamarquesa de Belas Artes. Insatisfeitos com o ensino antiquado e fora de moda desta escola, aspiravam por novas vias no estrangeiro. As viagens de estudo a França tornaram-se, por isso, cada vez mais populares. Muitos pintores escandinavos e dinamarqueses tiveram acesso ao Atelier Bonnat, em Paris, onde pintaram desenfreadamente, enquanto nos tempos livres se deslocavam para fixar em tela as paisagens francesas, experimentando o prazer da moderna pintura ao ar livre. Colónias artísticas foram estabelecidas fora das grandes cidades, não só em França, mas também noutros países mediterrânicos, como Espanha e Itália. Skagen transformou-se numa réplica desses modelos europeus.
Michael Ancher, O Pescador Afogado (1886). Museu de Skagen.
Foi então que os jovens pintores começaram a romper com os ensinamentos da academia, focando-se em novos e diversos motivos. Este era o tempo de captar a vida do dia-a-dia e retratar a realidade nua e crua, sem embelezamentos. Entre estes artistas encontravam-se dois grandes pintores: Michael Ancher (que não chegou a completar o curso na Real Academia) e P.S. Kroyer. Ambos viveram largos períodos de suas vidas nesta cidade. Michael visitou Skagen pela primeira vez em 1874, acabando por casar em 1880 com a pintora Anna Brondum, cujo pai era o dono do hotel Bromdums, onde normalmente se hospedavam os apelidados Pintores de Skagen, que ali passavam todos os verões. O casal de pintores passou a viver em Skagen num local que hoje se situa no jardim do museu.
P.S. Kroyer, Barco Branco na Praia (1895). Museu de Skagen.
Por seu turno, P. S. Kroyer (que nasceu em Stavanger na Noruega) veio pela primeira vez a Skagen em 1882 e, durante outros 22 anos, passou temporadas na cidade, quase sempre no verão, incluindo todo o ano de 1908, vindo a falecer, aqui, em 1909. Não surpreende, por isso, que o Museu de Skagen possua no seu acervo significativas obras, quer dos Ancher (Michael e Anna), quer de Kroyer, sobretudo pinturas realistas cujos motivos se relacionam com a praia e a sua envolvente natural. As nuances de luz nos vários períodos do dia e nas diversas condições do tempo, inspiraram estes e outros pintores a mostrarem as atividades que decorriam na praia, fossem de trabalho (pescadores, pintores, transportadores) ou de lazer (crianças banhistas, pessoas passeando na praia, festividades), entre outros motivos.
Quem for a Skagen tem de visitar o seu magnífico museu. É obrigatório!
Carl Locher, A Carruagem do Correio (1885). Museu de Skagen.
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Fontes:
Exposição patente no Museu de Skagen.
“Kroyer – An International Perspective”, The Hirschsprung Collection & Skagens Museum, 2011.
Na nossa visita à cidade dinamarquesa de Aarhus houve dois locais que nos surpreenderam: a parte antiga, conhecida como Den Gamle By, e sobretudo o Museu de Arte ARoS. E para a surpresa ser completa, mal transpusemos a porta deste, deparámo-nos com uma peça monumental de Joana Vasconcelos (Valkyrie Rán), que ali permanecerá até novembro do presente ano, abrangendo totalmente o comprimento do átrio do museu.
“Boy”, de Ron Mueck.
Depois fomos subindo os andares do ARoS e apreciando as diversas exposições. Destas destacamos os trabalhos do artista hiper-realista australiano, Ron Mueck, sobretudo uma escultura gigante intitulada “Boy”, com 4,5 metros de altura e 500 quilos de peso, que é uma das imagens de marca deste espaço cultural, presente em pins, sacos, cadernos, canecas e todo o tipo de souvenirs que se podem comprar na loja do museu.
Your Rainbow Panorama. Magnífico.
Até que finalmente chegamos ao terraço e deparamos com a estrela permanente deste magnífico edifício. Trata-se de uma passarela circular, com 150 metros de comprimento, 3 de largura e 52 de diâmetro – Your Rainbow Panorama – situada no topo do edifício, 50 metros acima do solo. O seu autor é o criador dinamarquês e islandês, Olafur Eliasson. Com paredes de vidro das cores do arco-íris, esta estrutura proporciona vistas espetaculares sobre a cidade e a baía de Aarhus e é, desde maio de 2011, um dos ícones da cidade.
É irresistível passear nesta passarela.
O ARoS vê-se praticamente de toda a cidade e, mesmo que não se goste de museus, é quase impossível ir a Aarhus e não reservar algum tempo para visitá-lo. Não há qualquer dúvida de que vale a pena.
ilovealfama 